Carlos H. Vázquez: “Creo que “Avalancha” es el mejor trabajo de Héroes del Silencio”

Por: Javier González. 

En los últimos tiempos es complicado seguir el ritmo de trabajo al bueno de Carlos H. Vázquez. A su habitual y siempre lúcida labor periodística, anda uniendo en un modo de trabajo estajanovista la publicación de una ingente cantidad de obras firmadas de su puño y letra en el último año, entre las que se encuentra los variados títulos de “Paco Clavel: vida y milagros”, “Cómo perdimos Madrid: Gabinete Caligari” y más recientemente “Avalancha: los demonios de la memoria de Héroes del Silencio”, donde aborda desde una perspectiva técnica el tortuoso camino de gestación y presentación en vivo del que fuera el colofón a la carrera musical de la banda zaragozana. 

Sobre este último pivotó gran parte de la amena conversación que mantuvimos con él semanas atrás, donde también repasamos de refilón otros temas de triste actualidad, como los fallecimientos de Robe Iniesta y Jorge Martínez, un duro golpe que al autor madrileño, como a tantos otros, le está costando asimilar bastantes, dada su especial vinculación con el mito asturiano a cuya vida y milagros dedicó el más que interesante “Jorge Martínez: Conversaciones Ilegales”. 

Hace tiempo que no hablamos contigo. ¿Qué tal va todo, Carlos? ¿Cómo llevas los últimos tiempos que parecen seguir demostrando que el mundo está loco? 

Carlos: Pues todo va muy bien, de momento. He pasado estas vacaciones encerrado en casa escribiendo, preparando un próximo lanzamiento, respondiendo correos electrónicos, terminando reportajes, transcripciones, la continuación del rodaje de una docu-serie, comiendo con amigos... He estado entretenido en “modo avión”, que es un ejercicio que suelo hacer con bastante frecuencia: silenciar el móvil, alejarlo, y mirarlo un par de veces al día (si me acuerdo). Todo esto para decirte que el mundo y su locura me importa entre poco o nada. 

Llevas unos meses/años con una actividad frenética, puesto que a tu habitual labor en prensa has añadido la publicación de varios libros: “Paco Clavel: vida y milagros”, “Cómo perdimos Madrid: Gabinete Caligari” y recientemente “Avalancha: los demonios de la memoria de Héroes del Silencio”. ¿De dónde sacas tanta energía y tanta capacidad de trabajo? 

Carlos: Vivo muy tranquilo desde que me mudé hace unos cinco años. Y mantengo una disciplina y unos horarios que me permiten hacer todo lo que quiero hacer. También es cierto que duermo muy poco y que me he hecho a ello, incluso cuando tengo rodajes y he de estar en el hall del hotel a las seis de la mañana. Pero me da tiempo a todo. El libro de Paquito Clavel lo empecé en 2021 y lo terminé a últimos del 2024. “Cómo perdimos Madrid” lo envié a la editorial en septiembre de 2024, un día antes de irme a Grecia de vacaciones. Y “Avalancha” empezó a fraguarse a finales del 2024 y lo terminé en el verano de 2025. Suelo escribir libros de manera simultánea para no aburrirme. Me pasa con los reportajes, que tengo varios abiertos para no empacharme; si me embarro con un tema, voy a otro para despejarme. Utilizo trabajo para despejarme del trabajo. 

En esta tanda de preguntas, nos centraremos principalmente en los dos últimos si te parece, pues se trata de trabajos y bandas más cercanas a nuestro ideario. Arrancaremos por el último, el libro dedicado al último álbum de estudio de Héroes del Silencio, básicamente porque se ve un componente emocional bastante potente en el mismo, donde es evidente tu vinculación sentimental con el disco. ¿A qué se debió la elección de “Avalancha” y todo lo que rodeó a su proceso de gestación, posterior presentación y abrupto final de la aventura de la banda? 

Carlos: Principalmente porque “Avalancha” (el disco) cumplía treinta años en 2025 y porque es mi disco preferido de Héroes del Silencio. Y porque siempre que se hablaba de la historia de Héroes, nunca se trataba “Avalancha” desde el punto de vista técnico, sino desde la perspectiva personal de cada miembro con respecto a los conflictos internos que había en la banda. Aunque en mi libro toco ese asunto, claro está, también quise abarcar las maquetas de Benasque como germen hasta el resultado final. Por ejemplo, explicar cómo de una canción salieron dos, como es el caso de “Babel” y “La chispa adecuada”. O que Pedro Andreu me contara cómo tocó la batería en 'Iberia sumergida' o de dónde salió “Derivas”, la introducción del álbum. Me gusta mucho el estudio y las labores de producción, y la verdad es que disfruté muchísimo escribiendo esta biografía oral cuando me sumergía en el sonido, hablando con Bunbury, Juan Valdivia o Andrew Jackson, por ejemplo. 

Estamos ante un trabajo de creación complicada, donde la banda comienza a notar el roce de los años de convivencia, el peso de las giras internacionales y la falta de una estructura más “profesional” y organizada alrededor de la banda, algo que reflejas muy bien. ¿Crees que la ausencia de visión internacional en nuestro rock por aquellos días, donde los zaragozanos eran una excepción pasó demasiada factura a la banda? 

Carlos: No creo. Héroes del Silencio tenían (como grupo) una visión bastante amplia con respecto a este asunto. Es posible que otras bandas españolas no tuvieran esa ambición o sus prioridades podían ser distintas a las que había entre los miembros de Héroes del Silencio. Tu visión de las cosas es muy diferente dependiendo de la edad que tengas y lo que estés viviendo en ese momento concreto (hablé de esto con Bunbury hace unas semanas durante una conversación informal). Por otra parte, hubo factores que también ayudaron a esa erosión entre los componentes del grupo, como la agotadora gira de “El espíritu del vino”, la muerte de Martín Druille, grabación en Los Ángeles con un productor como Bob Ezrin, un nuevo contrato discográfico, otras inquietudes... Y si además las relaciones no estaban en su mejor momento, pues aguanta tú una gira tan extensa, sobre todo si tenemos en cuenta que después de la famosa reunión de México tuvieron que hacer unos ochenta conciertos más. Eso es durísimo.

Hagamos una más directa. ¿Te parece “Avalancha” el mejor trabajo de Héroes? ¿O por el contrario hay otro/s de su trayectoria que te llegue/n más profundamente? 

Carlos: Sin duda, para mí “Avalancha” es el mejor trabajo de Héroes por varias razones: sonido más “americano”, madurez compositiva, actitud, giras... Tuve épocas, cuando era más joven, en las que me enganché a “El espíritu del vino” o a “Senderos de traición”, pero eran más bien canciones sueltas las que me llamaban, como “La sirena varada”, “Bendecida”, “Tumbas de sal”, “Culpable”, “Malas intenciones”, “Senda”, “Maldito duende”... En cambio, soy capaz de escuchar entero el disco “Avalancha” y después las maquetas de Benasque (“Virus”, “Babel”...). Pero, como te digo, es mi gusto. 

Si te soy sincero, siendo un gran trabajo como es, “Avalancha” nunca ha sido mi trabajo favorito de Héroes del Silencio, creo que contiene grandes canciones, pero la producción de Bob Ezrin, muy apoyada en Andrew Jackson, y el tipo de rock más duro que llevan a cabo hace perder los matices de esos arpegios tan bonitos e imaginativo que hacía Juan Valdivia, algo que Enrique Bunbury resumió en alguna ocasión diciendo que “se les veía más el plumero”. ¿Compartes mi percepción? 

Carlos: Bueno, puede ser porque habían grabado dos discos anteriores con Phil Manzanera (“Senderos de traición' y 'El espíritu del vino”), que les dejaba “meter mano”, no así Bob Ezrin aunque Andrew Jackson era más flexible. Supongo que irían por ahí los tiros. Phil, a lo mejor, permitía un tipo de sonidos o punteos que Bob desechaba o matizaba. Pero es algo que sucede siempre que un grupo cambia de productor. En el caso de Héroes del Silencio, y como venimos hablando, tenían una ambición mayor en comparación con otros grupos españoles, y eso hace que te pongas el listón muy alto, como se cuenta en el capítulo “To play”, donde Alan y Juan son más protagonistas. Mientras que Alan disfrutaba, Juan sufría porque, claro, estaba ante el productor de Pink Floyd. 

¿Cuál es tu canción/canciones favoritas de toda la colección y por qué? 

Carlos: De “Avalancha”, si tengo que seleccionar varias (una me resulta imposible), me quedo con “Iberia sumergida”, “Avalancha”, “En brazos de la fiebre” y sobre todo “La espuma de Venus”, que me parece una canción preciosa y muy poderosa. 

¿Crees que Héroes merecían haber tenido un primer cierre más amistoso y menos convulso a nivel interno? 

Carlos: Si lo merecían o no, es algo que se me escapa, porque son temas personales de cada uno y ahí no entro. Lo que sí te puedo decir es que merecían una gira por Japón, como así estaba previsto. 

Cierras el libro con la eterna “pregunta” sobre si habrá un último capítulo de Héroes juntos, ya sea en una última gira, retomando la de 2007, o con la posibilidad de un nuevo trabajo, posibilidad de la que hablaron Juan Valdivia y Pedro Andreu. ¿Piensas que es algo factible, posible o solamente producto de un sueño para fans? 

Carlos: Para que Héroes del Silencio vuelvan, tienen que estar todos, incluido Alan. Y si falta alguno de los cuatro miembros originales y hay disco nuevo, para mí ya no serían Héroes del Silencio. Si es factible o posible... Solo ellos lo sabrán. De momento creo que es un sueño para fans. Ya veremos qué pasa en el futuro, pero a día de hoy no lo veo muy claro, la verdad. ¡Ojalá se reúnan, ojo! Pero, ya te digo, me parece que ahora mismo es un sueño. 

Hablando de fans. ¿Crees que los fans de Héroes son los más fieles e irreductibles que ha habido y habrá? 

Carlos: Son muy apasionados y algunos hacen y dicen cosas que no comparto, como rechazar sistemáticamente lo que hace Enrique porque “eso no es Héroes”. Pues claro que no es Héroes, porque Enrique tiene una carrera cuyos discos, en número, superan a los de Héroes del Silencio. También creo que en España estamos poco acostumbrados a que el cantante o el guitarrista de una banda haga una carrera paralela en solitario. No sé... Nos tomamos a la tremenda demasiadas cosas. Solo es arte, música... Si te gusta, bien. Y si no, pues también. 

Pensando en esos fans que ya saben todo o casi todo sobre Héroes del Silencio. ¿Qué crees que les gustará más saber y que quizás no sepan al leer el libro? 

Carlos: El fan instruido de Héroes del Silencio sabe más que los propios músicos. Cuando empecé a hacer las entrevistas del libro, pensé que poco iba a aportar a lo que ya sabía el fan, así que lo llevé también por ese lado técnico del que te hablaba antes, que es un tanto desconocido. También quise homenajear a los seguidores, hablando con los que estuvieron en las giras del 95 y del 96, porque sus vivencias eran clave para entender cómo eran Héroes del Silencio en directo, algo que detalla muy bien José Luis de Las Líneas del Kaos.

“Nunca habrá una banda como Gabinete Caligari”

Vamos cambiar de tercio, nunca mejor dicho, para hablar de “Cómo Perdimos Madrid: Gabinete Caligari”. Ya sabes que son mi banda favorita del rock and roll español, así que seré franco. ¿Crees que algún día habrá una banda con tanto estilo, personalidad y unas letras tan brillantes como ellos? 

Carlos: No, jamás. Pero básicamente porque no habrá nadie como tú, como yo o como cualquiera. Somos diferentes, tenemos personalidades distintas, y eso nos hace únicos. Respecto a Gabinete Caligari, ya dentro de los términos musicales, puede haber bandas que se parezcan, pero no habrá nunca una como Gabinete, posiblemente porque su actitud y sus letras en la actualidad no estarían bien vistas, por muy brillantes que sean. Esto es algo que hablé con el Loco (Loquillo) hace poco, por cierto. 

¿Crees que hoy en día su música ha dejado estela rastreable en otras bandas jóvenes que estén teniendo éxito? 

Carlos: Indudablemente. Salvando las distancias, pienso en Alcalá Norte, Corizonas, Triángulo de Amor Bizarro... Aunque la música no es la misma, la actitud es muy similar en ciertos momentos. 

Tampoco queremos dejar de lado la posibilidad de que nos hables un poco sobre la vida y milagros de Paco Clavel. Confieso que me sorprendió verte vinculado a su nombre, no por nada en concreto, pero no lo vi venir. ¿Cómo surgió la oportunidad? ¿Qué has descubierto al lanzarte a conocer su trayectoria vital?

Carlos: Había entrevistado a Paquito Clavel varias veces y nos llevamos muy bien. Creo que fue en 2021 o así, cuando después de otra entrevista, surgió la posibilidad de escribir el libro. Fue medio en broma, pero me puse a ello. Lo que he descubierto es la persona y el basto conocimiento que tiene de la música, sobre todo folclore y rarezas. Mientras escribía el libro, me sumergí en sus programas de radio y podcast y me quedaba muy sorprendido de todo lo que él conocía. ¡Y no hablemos ya de cine! Aquí es importante destacar la figura de Juan Sánchez, con quien ha grabado estos programas o ciclos sobre cine. 

“De Jorge Martínez y Robe quedan sus obras, que es lo que nadie nos podrá arrebatar” 

No podemos continuar la entrevista sin hablar de las pérdidas recientes que hemos sufrido en nuestro rock, evidentemente me refiero a las muertes de Robe Iniesta y en especial de Jorge Martínez, a quien sabemos te unía una especial relación, toda vez que uno de tus anteriores libros, “Conversaciones Ilegales”, giraba en torno a las aventuras de Jorge al frente de la banda. ¿Cómo has conseguido mitigar el dolor de su pérdida? ¿Qué hemos perdido con ambas muertes? 

Carlos: Todavía estoy asimilándolo. Sabía más o menos cuál era su estado de salud y amigos comunes me mantuvieron informado, más cuando su muerte era inminente, algo que me pilló en Andalucía rodando. De hecho, escribí su obituario para El Confidencial en la furgoneta de producción, de camino al aeropuerto de Sevilla. Rematé el texto esperando mi vuelo. Estaba en shock, como aislado mentalmente. No podía ser, Jorge no podía morir, era imposible, como el fallecimiento de Robe, que me pilló en Madrid. Eran las tres y media de la mañana cuando lo supe. Me llegó un correo electrónico de su oficina y para confirmarlo escribí un WhatsApp a su equipo. Y en efecto, Robe había muerto. ¿¿Cómo?? ¿¿En serio?? Pues sí, sucedió. Hemos perdido mucha actitud, pero quedan sus obras, que es lo que nadie nos podrá arrebatar. 

“De Jorge me quedo con su generosidad, actitud y humor” 

Y, sobre todo, ¿cuál es el principal valor que observas en el inmenso legado que nos ha dejado nuestro macarra favorito? 

Carlos: La generosidad. Jorge era un tipo muy generoso y una grandísima persona que se preocupaba por los que estaban a su alrededor. Además de su humor y la manera que tenía de encarar la vida. Generosidad, actitud y humor. Es lo que observo en el inmenso legado que nos ha dejado Jorjón. 

“Arde Bogotá son unos tipos con mucha coherencia” 

¿Qué bandas del panorama actual crees que estás haciendo la cosas con la suficiente coherencia como para ser en el futuro objeto de algún libro que recoja sus andas y el repaso de sus discos con la perspectiva que da el tiempo? 

Carlos: Arde Bogotá. Por cuestiones laborales he pasado unos pocos días con ellos y me han encantado como personas (musicalmente ya los conocía). Me parecen unos tipos con mucha coherencia, con las cosas muy claras, que saben lo que no quieren. Espero con muchas ganas el siguiente álbum que están grabando en Los Ángeles. No obstante, es un poco pronto para escribir un libro que recoja sus andanzas. Pero me encantaría escribirlo. 

Eres periodista, escritor y amante de la música, tres sectores complicados que no están pasando por su mejor momento, pese a que el consumo de noticias y escuchas es amplio. ¿Crees que la profesión sigue teniendo sentido? ¿Eres un romántico o un loco que ha conseguido ir viviendo de esto a base de trabajo y buena reputación? 

Carlos: Sí, creo que la profesión sigue teniendo sentido. Otra cosa es que ahora sea mucho más complicado que cuando empecé hace veinte años. Pero sí, para mí al menos sigue teniendo sentido. Y supongo que para los chavales que quieren dedicarse a esto. Hay que trabajar muchísimo y perseverar, pero tampoco es garantía de nada, porque no solo el trabajo es el factor principal, sino la suerte, los contactos y todo eso que se nos escapa y que no dependen de nosotros. Nadie dijo que fuera fácil. Entre romántico y loco, si tengo que elegir, me considero un romántico por cómo veo el oficio, pero a ratos pienso que estoy loco por seguir con ello. Pero me encanta, vivo de ello, y no pienso tirar por tierra dos décadas de trabajo. Ya veremos cómo avanzan las cosas... 

Hablamos del presente literario que tienes entre manos, pero ya sabes que es inevitable empezar a pensar en la siguiente página. ¿Qué estás tramando? ¿Qué próximas aventuras tienes entre manos? 

Carlos: Afortunadamente tengo varias cosas entre manos, entre ellas una segunda entrega de “A un gancho de la gloria” (boxeo), la emisión de una docu-serie, más entrevistas y reportajes y otros libros que estoy preparando. La salida de uno de ellos es inminente. Stay tunned!!

Leer más...

Los Nikis de la Pradera: "Llorica"

Por: Txema Mañeru. 

Eran unos putos cracks y la clavaban cuando hacían letras para su espíritu punk con Los Nikis, y lo siguen siendo ahora como Los Nikis De La Pradera, por un lado más country-hillbilly, aunque con inevitables destellos punk, sobre todo en sus poderosas letras. Otros músicos participantes en el proyecto provienen de Los Vegetales, Ataque de Caspa y, ahora, hasta de Los Ronaldos. Mauro Canut sigue en la voz principal y es quien más colabora en las divertidas composiciones con Joaquín Rodríguez (Los Nikis).

Magnífico arranque con el primer single de adelanto con"'Llorica" y su precioso videoclip. Chulas voces doo-wop y guitarras con ecos surf a lo Chris Isaak y hasta tonos countrybilly en la cuidada melodía. ¡Y vaya letra, de nuevo! Además, el single tiene portada propia que es un divertido homenaje a uno de los más famosos de los Beatles que, por supuesto, son protagonistas, entre otros, de la divertida letra. Normal que sea también el tema que abre el disco. Pero la bomba y mucho más, ha sido con el segundo y brutal adelanto titulado "Anabolizantes, Tinder y Soledad", que ellos definen, con su agudeza habitual, como la trinidad moderna que resume la espiritualidad del individuo del siglo XXI. ¡Espiritualidad total, añado yo, qué espiritualidad! ("Crisis, What Crisis?"). Melodía country chulísima a lo George Jones o, incluso, Kenny Rogers, y una suma de sentadillas que es una gozada con un estribillo lleno de preciosos coros como tanto les gusta a los de Mauro Canut y Joaquín Rodríguez que son los que suelen compartir voces y cuidados coros ya citados. Por si fuera poco, ahora han sumado a la batería, para los directos y para el futuro, al gran Ricardo Moreno (Los Ronaldos), lo que les da más fuerza aún. El disco lo presentarán el día 13 de febrero en la Sala Villanos de Madrid y a ver si se deciden a girar porque sería una delicia oír esta mandanga y ver a estos locos sobre un escenario.

Pero es que son un total de 16 nuevos temas con mucho para gozar musicalmente y también con esas especiales letras con mucho humor. Siguen bien con "Poco a Poco Voy Sabiendo Más De Ti", con aires más serios que los de la desternillante "Alexa". Una "Alexa" con la letra más extensa del disco y de las más divertidas. Le pide que le ponga música de Los Nikis de la Pradera, pero también la acusan de celosa y acusica, porque parece que hasta cuenta infidelidades para acabar diciendo que su nombre no es Alexa, sino Lucifer. Se saben peligrosos y nos lo cantan en "El Peligro Soy Yo", aunque luego nos hacen saber que "La Situación Está Bajo Control" en la que nos avisan que los delitos financieros tardan mucho en prescribir. "El Peso De La Conversación" es la perfecta narración de una de esas citas a ciegas tan en boga en los últimos tiempos. En este tema cuentan con la voz de Sara Canut y los arreglos de Javi Peña. Se reconocen tristes y caducos en "Fade To Grey" ("Me He Vuelto Gris"). Sí, es la sorprendente, y única versión del LP, del temazo techno-pop de Visage en el que nos hablan de la MTV y de esos sintetizadores tan de la época. Es es justo antes de cerrar la cara A con otra divertida aventura en "Perdieron Mi Maleta".

La cara B la abren con su canto para "Rosalyn". Otro sano cachondeo para recordar la (falsa) afición country a Nashville, Tennessee y al Huercasa Festival. En su recado a la odiosa "La Directora de R.R.H.H" se acuerdan en su letra de su clásico "Ernesto", de cuando comenzaban con Los Nikis. Tras el ya comentado single, "Anabolizantes, Tinder y Soledad", llega otra explosión con "Armagedón", por la que pasan Miguel Bose, El Papa Clemente, Satán y (otra vez) Lucifer. No tienen reparos tampoco en criticar a los horteras de bolera en la canción del mismo nombre, en la que viajan hasta a Benidorm. La otra estupenda colaboración ajena es la de Adolfo Díaz (Airbag), quien pone su voz en la divertida historia de "Me Pregunto Qué Hago Aquí", hecha a su medida, y hablando sobre él y sobre su grupo super punki de Estepona. Un interludio antes de encaminarse al cine americano retratando a "‘Un Tipo Solitario En Un Bar". 

Como son optimistas y hasta tienen buena suerte acaban el disco con "Mi Maleta Apareció", para congratularse tras haberla perdido en el cierra de la cara A. Eso sí, nos dejan con la duda de saber lo qué hay dentro de ella ¡Siguen siendo unos putos cracks y ojalá se dejen ver por bastantes más escenarios!

Leer más...

091: “Espejismo nº 9”

Por: Kepa Arbizu.

El ejercicio de resurrección oficiado por 091 hace una década, al margen de significar revertir su defunción artística fechada en 1996, supuso para varias generaciones poder conjugar por primera vez en presente lo que hasta ese momento había sido uno de los episodios más glorioso del rock hecho en castellano. Un relato histórico, inevitablemente extendido a través del legado simbólico depositado en las carreras en solitario de José Ignacio Lapido y José Antonio García, que por fortuna ha tomado corporeidad en una segunda existencia que, lejos de resultar un forzado renacimiento mecido exclusivamente por los hilos de la nostalgia, oposita con claridad ha añadir más valía a su biografía musical. Un proceso de reaparición tomado con la calma que se merece ese esmero por hermanar su firma a un contenido de alta calidad, el que ya alimentó a sus dos trabajos predecesores (“Maniobra de resurrección” y “La otra vida”) y que ahora vuelve a ser convocado para un nuevo álbum, “Espejismo nº 9”, que ya desde su título, encargado de contabilizar el capítulo por el que transita su recorrido conjunto, es una celebración de la incertidumbre colectiva, pero también del domicilio fijo ocupado por la banda en ese oasis donde guitarras y palabras traducen con clarividencia el vértigo que produce eso a lo que llamamos vivir.

Como en toda familia, y la banda lo es en el sentido estricto y metafórico, el paso de los años acaba por transformar su morfología, y en este caso, el álbum de fotos con que se ilustra a los artífices del milagro carece de la figura de Víctor Lapido, lo que deriva en que todas las guitarras de este trabajo hayan sido registradas por su hermano, que en calidad de letrista y compositor primordial adopta un papel protagonista que, por otro lado, nunca ha ocultado. Pero más allá de ese fuerte influjo que no se puede obviar en el disco, la banda contiene los suficientes ingredientes identificativos, desde las bases rítmicas encomendadas a la destreza de Tacho González y Jacinto Ríos, a por supuesto la presencia de “Pitos”, quien encarna a la perfección el papel de cantante que por encima de todo es portavoz de un sentimiento grupal, como para ser conscientes de que su ADN particular está por encima, o al menos a salvo, de coyunturas específicas. Una salvaguarda del RH propio también en manos de otro fraternal aliado, Raúl Bernal, encargado no solo de la producción, sino de agitar sus dedos sobre los teclados para otorgarles el don del habla. Un diálogo entre lujosos elementos que propicia este nuevo retrato de un elegante paisaje en llamas. 

Alegorías visuales entonadas ya desde la propia portada, autoría de Miguel Navia. Una original ilustración, también para lo que significa el imaginario habitual del grupo, que absorbe la naturaleza del cómic crepuscular y la iconografía mitológica. Una superposición de planos que emergen durante el sueño de las ciudades, ese instante -representado por Baudelaire como un baño de tinieblas- donde se desintegran las fronteras dictadas por la luz y se pueden escuchar con más nitidez aquellos lamentos que el amanecer se encargará de convertir en mustios vocablos listos para la mueca rutinaria. Es en ese espacio simbólico, cuando los vigías bajan la guardia y se desvanecen las leyes de la lógica impuesta, donde moran estas canciones, atrayendo hacia sí como idioma troncal ese pensamiento difuso que sin embargo es capaz de desvelar con exactitud el epicentro de la tormenta.

Bajo el propósito de introducir las coordenadas habitadas por este disco, su comienzo (“Algo parecido a un sueño”) se sirve de un rock melancólico pero luminoso para sembrar un territorio sonoro, común a lo largo de la extensión del álbum, de orgánica y sobria condición, sucumbiendo así a cualquier posible fecha de caducidad para convertirse en materia atemporal. Una configuración, espoleada por la épica de su estribillo, en la que cada elemento es capaz de asumir una fuerte cota de protagonismo con el fin último de aglutinarse en un destino común. Horizonte, teñido de un resacoso insomnio en el que cuesta dilucidar la realidad de la ficción, que al mismo tiempo ejerce de esqueleto reflexivo universal y de lo que parece una intrahistoria respecto a la actitud asumida por la propia banda, representantes de ese “refugio entre el incendio”. Una guarida desde la que asoman absolutamente reconocibles bajo esa característica idiosincrasia de impetuoso dibujo melódico adoptado por “Una revelación”, una de esas composiciones impregnadas de la rúbrica forjada históricamente por 091, quienes nos ofrecen su singlar ración de panes y peces a cambio de bailar sobre el alambre.

No por (re)conocida la majestuosa lírica que adorna la escritura de Lapido, desplegada con un trazo existencialista no exento de irónico desgarro, deben de obviarse las alabanzas a una imperecedera floración que exhibe su faceta más crepuscularmente romántica, apoyada por una fisonomía musical que sustenta esa expresión, en “Ven vestida de nube”, otro dietario de dolores con marchamo de remedios. Tonalidades relajadas siempre habituales, y destacadas, en el repertorio de los granadinos que aquí tienen su emocionante cota de visibilidad en “Piezas de desguace”, diseñada bajo una preciosa introducción acústica para presentarse una vez más como narradores instalados en el “ojo del huracán”, o en el intenso medio tiempo, acompañados de los precisos y sutiles teclados, de “No tiene sentido escapar”. Demostraciones de que la tempestad es también un lenguaje que rima a la perfección con la sensibilidad.

Pero si hay un territorio propicio para encarnar ese estado borroso de duermevela, ese es el de la perturbación, que en el caso musical se manifiesta convenientemente al amparo del rugir eléctrico. Una condición consustancial también a la personalidad de la banda, dispuesta a no desprenderse de un afilado colmillo punk gracias a “Nadie quiere oír tu llanto”, un glosario de personajes golpeados por un abatimiento cotidiano que sin embargo es digna sustancia para ser contada. Impetuosas ráfagas de riffs que alumbran “Los cantes de la sinrazón” y que mutan en un crudo blues, entonado con voz rasgada y teclados humeantes, que hace de “Dormir con un ojo abierto” representación de la vigilia como herramienta de autodefensa. 

De “Espejismo nº 9” no se despierta, como demuestra que su colofón, “Puede que el tiempo”, suponga la pieza más explícitamente psicodélica, certificando que, como dejó ilustrado Calderón de la Barca en aquellas líneas que rezaban “todos sueñan lo que son, aunque ninguno lo entiende”, esta somnolencia no se trata de una fase circunstancial, sino una condición innata al ser humano. De este modo, 091 alarga, con un disco magnífico además de poseedor de unos rasgos distintivos muy especiales, una historia enunciada desde ese particular y distinguido oasis creativo. Un enclave desde el que imparten otra lección sobre cómo convertir la duda en arte y el lamento en una ofrenda lírica.

Leer más...

Los Lobos, cincuenta años aullando

Sala Wagon, Madrid. Viernes, 6 de febrero del 2026. 

Texto y fotografías: Begoña Serralvo. 

Salvajes, directos y con ganas de fiesta. Hacía eones que no venían a España, y Los Lobos lo compensaron con creces, como quien se reencuentra con un viejo amigo que hace tiempo que no ve: lo dieron todo. Lo de aquella noche no fue un simple concierto; fue una oportunidad para reencontrarse con una historia sonora compartida, con ritmos blues, norteños, rockeros, tradicionales... en definitiva , relatos que han acompañado a varias generaciones.

Los de L.A consiguieron extasiar a un público que, desde los primeros acordes de “La venganza de los pelados”, ya estaba cien por cien entregado. La audiencia era de lo más variopinta, desde el traje de ejecutivo hasta los casi inexistentes ya chalecos vaqueros. Con "Love Special Delivery", "Angel Dance" y "Chuco2s Cumbia" se notaba cómo cada guitarra, cada saxofón y cada percusión contaba historias de barrio, carretera y corazón y mismo da que fueras en mocasines o en botas de chúpame la punta. "Maricela", "Down in the Riverbed" y "Will the Wolf Survive" mantuvieron ese pulso íntimo y potente, mezclando nostalgia y fuerza, mientras "Native Sons", su trabajo más reciente, sobrevolaba el concierto como un guiño a Los Ángeles y a toda la música que los formó, mostrando que la banda sigue viva, curiosa y creativa.

Entre los momentos que quedaron grabados en la noche, la interpretación de “Carabina 30-30” se llevó todos los aplausos y vítores, con su "dedicatoria" irónica a Donald Trump. "Kiko And the Lavender Moon" y "Volver, volver" encendieron aún más a la sala, y "La Bamba" —llegada ya en los bises— reafirmó que lo colectivo y lo festivo son parte inseparable del ritual del directo.

Se echó de menos alguna balada de los años cincuenta como "What in the World", pero el repertorio de Los Lobos es tan amplio y diverso que nunca tocan el mismo setlist dos noches seguidas. También faltaron "Anselma" —Rosas dijo que no recordaba la letra— y "La Pistola y el Corazón", piezas más delicadas del cancionero clásico. 

Pero, quizá lo más relevante, no es qué canciones se tocan, sino cómo esas canciones se sitúan en la experiencia del oyente. Nada de artificios: todo directo, con oficio, respeto y emoción que traspasa generaciones. En un mundo donde todo parece moda fugaz, Los Lobos siguen siendo ese refugio sonoro que no necesita levantar la voz para hacerse escuchar. Cincuenta años después, el lobo sigue aullando y lo hace con más alma que nunca. Únicos en su especie.

Leer más...

Quique González reabre viejas y nuevas heridas en el Teatro Circo Price

Teatro Circo Price; Madrid. Sábado, 7 de febrero del 2026. 

Texto y fotografías: Guillermo García Domingo. 

Dedicado a Sandra y a Ángel; y a Elvis, fiel compañero. 

En Madrid, y en el resto de España, hace días que llueve sobre mojado. Quique González, sin embargo, nunca llueve sobre mojado, aunque actúe dos noches consecutivas en este teatro tan propicio a la música. Muy al contrario, sus conciertos han supuesto una de las citas álgidas del Inverfest, que todavía no ha concluido. El repertorio fue alterado por el cantante madrileño respecto al primer concierto. Lo que denota que, uno, tiene canciones de sobra entre las que elegir, dos, que estas canciones no caducan por mucho tiempo que haya transcurrido desde su composición; tres, que tiene una fe ciega en los músicos de los que se ha rodeado desde hace unos años, y que le acompañan en esta gira intensa y ambiciosa, casi dos fechas por semana, que va a ser decisiva en la carrera de este músico irrepetible.

Para averiguar la importancia de un concierto es necesario fijarse en lo que reflejan los ojos de los asistentes. A mi lado, a lo largo de toda la velada, permaneció conteniendo la respiración una pareja de personas, entradas en años. Parecíamos, yo también, feligreses que estábamos presenciando una ceremonia en una iglesia, en lugar de estar en un concierto de rock. En algunas canciones su mirada brilló especialmente. Quique ha sacralizado el oficio de hacer música de tal forma que despierta este sentimiento reverencial en los aficionados. No solamente se trata de la soberbia actitud de demuestra, es el resultado del empeño por ofrecer un sonido excelso a través de la relación de amor y admiración que ha establecido con sus músicos y estos, a su vez, con sus respectivos instrumentos. La convulsa grabación de “1973” así lo pone de manifiesto: Quique tuvo que elegir entre uno de los ingenieros y productores más reputados de Norteamérica y sus músicos, y eligió, sin dudarlo, a estos últimos.

La actitud de mis compañeros de asiento fue la tónica general que mantuvo el respetable en el concierto, salvo la desinhibida reacción que provocaron los últimos temas, me refiero a “Vidas cruzadas”, “Kamikazes enamorados” y “Pequeño Rock and Roll” y “Charo” (acompañado de María Ovelar, la madre de Nina de Juan, el cantante grabó la canción original). La propia María Ovelar, Araceli Lavado y Maisa Hens enaltecieron “Preguntas sencillas”, en la que Jacob Reguilón, cambió el bajo por el contrabajo y Quique se atrevió con la armónica. El mismo coro en versión gospel se adueñó de “Pequeño rock and roll”, con el permiso de Quique, que, sin la guitarra, se agarró al micrófono con una autenticidad inconmensurable, mientras los dedos de Bernal no daban abasto, y Toni Brunet sacaba partido al pedal wah-wah de su guitarra. Y para que no falte ninguno es de recibo reconocer el sempiterno buen hacer de Karlos Arancegui a la batería.

Quique González recibe este tipo de respuesta de parte de los aficionados porque es un músico verdadero, que es tomado muy en serio, habida cuenta del respeto que él mismo manifiesta por la música y los que la protagonizan, los músicos, por los que siente veneración, empezando por su veterana banda. En este concierto en particular dedicó “Santos” de “1973”, a otros santos de su devoción, Robe y Jorge Ilegal, por motivos que nadie ignora. Es imposible llevar la cuenta de las veces que Quique agradeció a su equipo lo que hacen, incluidos los técnicos y todas las personas que hacen posible que suceda un milagro cada noche sobre el escenario.

Justo antes de uno de los momentos más gloriosos del concierto, tal vez el mejor, la interpretación de “Oro líquido”, Quique nos aconsejó que tuviéramos cuidado con la cantante que tenía a bien presentarnos, Guada (de Buenos Aires) podía hacernos daño. No estábamos preparados para esa voz y “la luz impresionante” con la que Quique y Guada nos abrazaron a cada uno de los asistentes, “pura compasión en el aire” que atesoraremos como un tesoro “líquido” en nuestra memoria. Este concierto nos hizo aún más daño que otros, abrió las heridas con las que cada uno acudía a esta cita anual con el cantante. Quique, en realidad, ha sido peligroso desde la primera canción que compuso; canciones de hace dos décadas siguen siendo definitivas si te cogen con la guardia baja. “Salitre”, junto al cantautor jerezano Alberto Alcalá, “Miss camiseta mojada”, “Avería y redención” del álbum homónimo, o “Se estrechan en el corazón” (“Me matas si me necesitas”) son inagotables, el tiempo no las erosiona en absoluto. 

Con el paso de los años y las experiencias acumuladas, Quique ha llegado a ser un consumado maestro a la hora de detener el tiempo en sus canciones, de ahí que el público contuviera la respiración. El silencio entre las notas es decisivo, ocurren sucesos importantes entre las notas, controla a su antojo la “manivela” que hace que las canciones se demoren, si la canción lo necesita. Por esta razón, junto a “Oro líquido”, destacó otra canción de su último trabajo, “De verdad lo siento”, (que compartió, ante la ausencia de Gorka Urbizu, con el guitarrista Toni Brunet). Las canciones del nuevo disco se ganaron el respeto en directo desde el inicio del espectáculo gracias a los tres poderosos aldabonazos con los que nos despertó: “Terciopelo azul”, “La caja de herramientas” y “Flashes”. Sobre todo, la primera, que se caracteriza por esos truenos, que electrizan el paisaje de la canción, y que no son sino las sucesivas percusiones sobre el teclado de Raúl Bernal. En general, en todas las canciones del show el papel del murciano (afincado en Granada) resultó crucial, ya sea en su función de pianista, organista (por el hammond), o acordeonista, incluso. Ya conocemos de lo que es capaz Raúl Bernal, hace muy pocos días reseñamos su último disco, de modo que no nos sorprendió que con su voz siguiera el “hilo de cristales rotos” que aparece en “Descosiendo un milagro”. Si Raymond Chandler hubiera visitado Cabo de Gata y el bar de Joe, habría escrito una canción como ésta, y le habría gustado que su banda sonora fuera justamente la que nosotros tuvimos la suerte de escuchar. Pero no es Chandler sino un tal Enrique González su autor. La misma atmósfera turbia, como si el telón azul detrás del escenario, una perturbadora tela de “blue velvet”, nos envolviera a los 1.700 asistentes, se adueñó del escenario a propósito de “Clase media”, y se prolongó con la recreación de “La fábrica”, que contiene frases dignas del maestro de la novela negra.

Una sola nota de Raúl Bernal consigue cambiar la suerte de “Lo perdiste en casa”, de “Sur en el valle”, que Quique y su banda han remozado y, a mi juicio, fue una de las mejores sorpresas de la noche madrileña. También tocaron al galope, transformada, Coleccionistas, con notable éxito. “Avión en tierra” tampoco parecía la misma, tan vibrante con todas las guitarras de nuevo “galopando”. ¿Querrá el bardo madrileño emular al bardo de Minnesota y renovar como hace éste continuamente a sus “criaturas”? 

Ya se verá lo que ocurre en el futuro, el talento de Quique nos sorprenderá al girar en cualquier esquina. De momento, no vislumbramos ningún artista que haya interiorizado la herencia norteamericana como él lo ha hecho. González empieza a ser, no a parecerse, a los ídolos a los que tanto admira. Muchos pensamos que ya se ha convertido en uno de ellos. Consulta si este roquero pasa por tu ciudad, no pierdas la ocasión de verlo junto a su banda de forajidos.

Leer más...

Pablo Und Destruktion, canciones para hermanos, camaradas y herejes

Por: Javier González. 

Fotografías: Estefanía Romero Quiñones. 

Sala Villanos, Madrid. Viernes 6 de febrero de 2026. 

A estas alturas de la película, a riesgo de caer en el reduccionismo más radical, podríamos calificar al bueno de Pablo Und Destruktion con tan solo tres adjetivos: uno, grande y libertario. Tres sencillas palabras que sin embargo ejemplifican a la perfección las sensaciones que te recorren al escuchar sus composiciones y letras, condiciones amplificadas en noches como las del pasado viernes, donde, sobre las tablas de la sala Villanos y en el marco del ciclo de conciertos organizado Mazo, su ya de por sí gran figura cobró una nueva dimensión capaz de transportar al más pintado a otros polos de existencia que por momentos resuenan tan combativos y críticos como idílicos y nostálgicos. 

No engañaremos a nadie si decimos que las expectativas sobre lo que podíamos ver eran altas. Conocemos su cancionero y ya hemos disfrutado en alguna ocasión de las bondades de un directo que no necesita de grandes escenarios ni de pirotecnias para clavarse en el corazón, tanto por la cercanía de su trato, amistoso y coloquial al dirigirse al respetable, como por los mensajes que destila, siempre a contracorriente del público sumiso, aquel capaz de repetir eslóganes buenistas a modo de mantras y de comprar packs de pensamientos únicos “no recomendados” para disidentes y librepensadores, categorías ambas en las que el asturiano ejerce un claro proselitismo. 

La divina providencia nos dejó a los pies del escenario con el tiempo justo de ver los últimos compases de un jovencísimo telonero llamado Pelayo, quien parapetado tras su guitarra acústica agradecía a modo de despedida la atención a los primeros valientes que dieron color al madrileño recinto; una audiencia que a medida que se acercaba la hora de arranque del artista principal completó hasta abarrotar el aforo de la antigua Caracol. 

Sin mayor dilación fueron apareciendo sobre las tablas Gala Pérez Iñesta, Álvaro Lacalle, Pablo Álvarez y Pablo González “Pìbli”, banda de acompañamiento de Pablo quien, mientras ajustaba los últimos detalles de su guitarra, buscaba con la mirada a Gala para arrancar la apertura de violín que dio paso a “Una proposición decente”, preciosa declaración de amor en un mundo que convive con guerras y ruina, acometiendo a continuación las crudas “Mis animales” y “Problemas”, recibidas ambas con entusiasmo por los acólitos del asturiano ante la sensación de que en solamente un par de temas había conseguido caldear un ambiente abrasivo que contrastaba con el frío de la noche madrileña. 

El balanceo en las primeras filas comenzó cuando sonaron los primeros acordes de “Soy una persona tóxica”, mientras Pablo fantaseaba con la guerra y la total destrucción del planeta y nos amenazaba burlonamente con apuntarse a “la Cruz Roja, al PSOE o a una logia”, por suerte somos sabedores de sus veleidades anarquistas, algo que no le permitiría tales desmanes, para seguir haciendo amigos dentro del gremio con “Artistas contra la cultura”, dedicada a todos aquellos creadores que enseñan el culo de forma remunerada para dejar de lado la revolución, cerrando la trilogía tomándonos de la mano para llevarnos a pasear por el viejo barrio de Cimadevilla con la fenomenal “Gijón” con las que la emoción se desbordó por completo mientras asesinábamos al progreso.

La atmósfera se tornó más brumosa en “Violácea” llevándonos a los alrededores del muro de Berlín, sonando a mitad de camino entre Bowie y Nick Cave and the Bad Seeds, rescatando a continuación “Powder” de su recomendable “Sangrín” y una violenta revisión de “Puro y ligero” que dio paso a los aires swing oscuros de la genial “El Presente”, donde Pablo, liberado de su guitarra gracias a la aparición sobre las tablas de su paisano Ángel Kaplan, pudo moverse por el escenario para regalarnos esta tonada que le emparentó directamente con los mejores Gabinete Caligari, a la que siguió una catártica “Busero español”, donde comenzó a caminar por mitad de la sala como poseído por la figura de un telepredicador dejando boquiabierto a más de uno, enlazada a posteriori con el subidón que nos regaló “Dementocracia”, evidentemente el momento cumbre llegó con aquella parte que dice: “muera el pueblo y vivan los apedreados”. 

Casi sin respiro nos invitó a volver a los ideales de la revolución, visitando la momia de Lenin, con “Limonov, desde Asturias” y nos robó el corazón arropado por Andrea Buenavista con “Sé lo que eres, camarada”, fiel reflejo del carácter del pueblo español y del barullo en que vivimos por culpa de intereses partidistas, ruido de fondo que es capaz de hacernos olvidar que es más lo que nos une de lo que nos separa. 

Enfilamos el final del set list con “La higuera”, donde Pablo, como si de una reunión de amigos se tratase, contó la curiosa historia de la que parte esta canción, segundos antes de combatir unidos el “Kaliyuga”, rebajando el pistón y tocándonos bien dentro con su reivindicación de un amor puro capaz de superar los rigores de la carne y el piloto automático del aburguesamiento en “La reacción sexual”, perfectamente acompañada de “La tormenta”, minúscula y delicada, arropadas en última instancia, aparentemente al menos, por “Gracias”, tras la cual en un amago de cierre toda la banda se acercó al borde del escenario mientras se abrazaban con sincera satisfacción unos a otros para recibir una cerrada ovación.

Si embargo, no sería el cierre pues Pablo les invitó a abandonar el escenario, momento que aprovechó para cantarse una “tonada” típica del folclore asturiano a capela, demostrando potencia vocal pese al gran esfuerzo que realizó durante toda la velada, atacando en última instancia arropado otra vez por los cuatro miembros de su grupo el cierre real que tuvo como protagonista a esa vacilada llamada “Mujer”, con la que, ahora sí, se daba colofón a una bonita noche de concierto. 

A la salida ni el intenso frío con sabor a sierra era capaz de borrarnos la sonrisa del rostro, básicamente porque el calor de la palabra de Pablo Und Destruktion es tan poderosa que a casi todo lo puede. Aunque tal vez, solo tal vez, dicha sensación tenga que ver con el discreto encanto de sentirse hermanos y camaradas de este asturiano que marca su propio camino desde la autogestión con la bondad de aquel que tiene como única certeza ser un paisano, enarbolando con orgullo la bandera roja y negra hecha con gotas de sangre y carbón. Ya nos lo avisaba hace años en su disco “Predación”: “vamos, seamos hermanos y herejes, tú y yo”. Y en esas seguimos, querido Pablo.

Leer más...

Bebe: celebrando que seguimos vivos

Teatro de las Esquinas, Zaragoza. Sábado 7 de febrero de 2026 

Texto y fotografías: Javier Capapé. 

Con tanto desparpajo como contención. Con descaro, pero sin perder la suavidad. Así nos encontramos con la extremeña Bebe tras demasiado tiempo fuera de los focos. La cita de Inverfest quedaba dentro de esa celebración que está llevando al directo por los veinte años de su explosión con el imperecedero "Pafuera Telarañas". Aquel disco de debut le cambió la vida a ella, pero también a muchos de los que llenaban el Teatro de las Esquinas, mostrando fidelidad y entusiasmo por unas canciones por las que parecía que no hubieran pasado los años.

Se trataba de celebrar, sin limitaciones. De celebrar y agradecer, porque Bebe se pasó medio concierto dando las gracias a todos los presentes por esperarle durante todo este tiempo para celebrar la vida. Compartió con todos que le debe a su madre que estos conciertos se estén llevando a cabo, pues ella misma le invitó a celebrar esta efeméride porque se lo debía. Quizá en su momento no disfrutara de verdad de todo lo vivido, por eso ahora era la ocasión para celebrarlo y sentirlo de veras. Con una banda de impecable factura, entre los que se encontraba Javier Rojas al bajo, que acompaña a la extremeña casi desde el principio, Bebe afrontó un repertorio centrado en "Pafuera Telarañas" (no esperábamos menos), pero que a la vez se escoró hacia algunas canciones también brillantes del resto de su discografía que ocuparon la parte central del show.

La emoción condujo la noche encima y debajo del escenario. El público, que en algunos momentos pidió que Bebe elevase su tono de voz para poder escuchar mejor sus discursos, se entregó coreando todas y cada una de las canciones, incluso las menos evidentes, demostrando que la música de la autora de "Malo" sigue muy viva.

"El golpe" dio comienzo al espectáculo, pero a pesar de su energía dominaron los medios tiempos y el intimismo en el resto de la velada, que rápidamente nos regaló esas pequeñas joyas acústicas como "Revolvió" o "Siempre me quedará", en la que la guitarra eléctrica tomó protagonismo con un solo arrebatador. "Men señará", que en su versión original tenía esa personalidad electrónica que le confirió Carlos Jean con su producción, sonó muy actual y con sutiles aires funky. Además, su aura de carretera, en la que se detiene en esos viajes en los que siempre alguien nos espera, nos sedujo gracias a una Bebe que poco a poco se iba soltando haciendo suyo el escenario. Así nos llevó a temas menos esperados como "Mi Guapo", de su malogrado "Un pokito de Rocanrol", o "La Bicha", en la que, con la provocación por bandera, terminó en el suelo contoneándose con su sugerente sensualidad.

Una de las secciones más intensas del concierto vino de la mano de tres canciones casi perfectas, en las que vimos disfrutar de verdad a su compositora. "Me fui", en la que se mostró más que agradecida con su paciente público, "Respirar", en la que se acordó de tanta gente que nos ha dejado convertidos en estrellas que nos guían y que se transformó en la más acertada muestra de la celebración de la vida, que se nos escurre entre los dedos, y "Busco-me", donde jugó con las atmósferas y la búsqueda de aquello que nos mueve y que no debemos perder.

Las canciones que parecían más evidentes en esta celebración no se hicieron esperar y así llegaron "Malo", en la que nos hizo ver que en veinte años desde su composición apenas hemos aprendido nada, y "Ella", que sonó desde la calma y consciencia de quien sabe lo que tiene entre manos. Una canción soberbia, pero en la que se mostró mucho más serena que reivindicativa. A continuación se mostró juguetona en "Siete horas" y seductora en "Con mis manos", demostrando que en aquel disco tan alabado que venía a celebrar había mucho más de lo previsible. El público cantó a pleno pulmón "Con mis manos", casi con más fuerza que las anteriores, en una explosión colectiva que se remató en "Como los olivos", en la que se perdieron entre el swing en su parte central y Bebe volvió a agradecer a todos los presentes por "hacer mi música vuestra y cambiar mi vida".

Ya nos advirtió que no habría bises, que esto se cerraba con un derroche de oxitocina, que es lo que fue "Pa mi casa". Una canción perfecta para cerrar, pegada a su realidad. "Que las llanuras de mi tierra se juntan con el cielo". Así nos invitó, para concluir, a buscar la grandeza en lo pequeño, en lo terrenal. Porque Bebe es grande, por si alguien lo dudaba, pero se agarra a la esencia, a lo pequeño, y como bien demostró el pasado sábado, lo magnifica.

"Que nunca nos cansemos de amar y dar las gracias". Esas fueron las últimas palabras de agradecimiento de la extremeña que sin ninguna duda convirtió en su casa todo el teatro rendido a sus pies, emocionados por el derroche de energía que se llevaban a casa como regalo por estos veinte años en la brecha.

Leer más...