Los Zigarros: “Carne con patatas”. Combatiendo la sinrazón con rock and roll


Por: Álex Fraile. 

¿Quién no ha pensado reventar alguna vez su móvil contra la pared? ¿Nadie? De verdad, no sean tímidos y dejen correr su imaginación. El ejercicio es sanador. El mundo transcurre de forma vertiginosa, inmersos como estamos todos en la rueda del capitalismo. Para colmo la tecnología nos acorrala, obligándonos sutilmente a introducir otra marcha y vivir si cabe más rápido. La paradoja que ya vaticinó Ionesco en su obra de teatro "Rinoceronte" está de actualidad. En lugar de cuernos, tenemos cabeza de antena y nos vemos sumisos a un ritmo de vida en continua aceleración donde reina la uniformidad del pensamiento y todo se polariza más que nunca. No, esto no es un manifiesto. Todo lo contrario, pretende llanamente ser la reseña del quinto disco de estudio de Los Zigarros. 

La banda valenciana, liderada por los hermanos Tormo, viene de lanzar su fantástico nuevo trabajo: "Carne con patatas" (Cultura Rock Records, 2026). Una oda sonora contra el individualismo y a favor de la vida lenta. A lo largo de sus doce canciones, Los Zigarros se reinventan – cosa que nunca han dejado de hacer – y lo hacen con un guiño a sus orígenes sin abandonar esas afiladas guitarras, el rock and roll sin aspavientos y letras llenas de irónico humor y de espíritu punk. 

"Un mundo mágico", el primer single de este álbum, irradia frescura y desde sus primeros acordes se vuelve adictivo. ¡Directo y al pie! Tres minutos que nos devuelven a sus inicios y que nos demuestran – como prueba, la propia realidad – que no hace falta venir a Madrid para triunfar, ni acudir al Hormiguero, ni firmar contratos por cincuenta años. Temas contundentes como "El mundo es cosa de hombres" o "Energía negativa" cuestionan las estructuras tradicionales de poder, la masculinidad cargada de testosterona o el impacto diabólico de las redes sociales. Lo hacen recordando a los Black Crowes más rabiosos y enarbolando la crítica mordaz a los tiempos y bien podrían ser himnos del futuro. 

"Carne con patatas" revindica la pureza, el gusto por cosas sencillas cargadas de sustancia. Lo hace con contundencia y desde la dualidad. El sin sentido se puede combatir también desde la calma como demuestran en temas como "La huelga mundial", "Dios es movimiento"’ – primera canción que fue compuesta y la que cierra el álbum con su tono pausado y recitado – o una de las joyas del álbum: la honesta y cercana "Necesito una cerveza". Un guiño a la amistad, al amor y a esa necesidad imperiosa de bajar las revoluciones y huir de esta nueva realidad dónde, como señalan con acierto, “Vivimos gobernados por ruidosos tertulianos /Está de moda ser un facha / un racista o un tirano…”

Cada uno tendrá su propia receta para combatir la sinrazón de los tiempos modernos y buscar su zona de confort. Los Zigarros han encontrado refugio en la música. A fin de cuentas, tal como rezan en la festiva y sinuosa "Preciosa como un millón de euros": el rock and roll es lo que siempre les ha mantenido vivos. 

Tras degustar "Carne con patatas", el veredicto es inequívoco. Hay Zigarros para rato. Los valencianos suenan sin ataduras y más frescos que nunca en un trabajo que les reafirma como uno de los faros del rock nacional y que bien merece señalar han producido ellos mismos. Mafalda solía decir aquello de “’¡qué se pare el mundo que me quiero bajar!”. Razón no le faltaría hoy en día, pero Los Zigarros demuestran que mientras exista el rock and roll hay esperanza. Esperemos que Los Zigarros no pierdan nunca esa pasión y esa autenticidad, tan marca de la casa y que sigan con ganas de explorar nuevas texturas sonoras. 

P.D: Basta con escuchar "Caminos habituales" – el primer corte del disco y que cuenta con la colaboración de Miguel "Motoreta" – para darse cuenta de que nunca dejarán de sorprendernos.

Tiwayo: "Cada canción de este disco es, en realidad, una parte de mi vida"


Por: Àlex Guimerà.
Fotografías: Jackie Lee Young.

"Outsider", firmado por Tiwayo, ha sido uno de los milagros musicales de este año. Un disco atemporal que ofrece lo mejor del Soul, hecho por un tipo que lleva años currándoselo y cuyo talento para la música resulta inhabitual. Si además descubres que de raza blanca, parisino y no oriundo del sur de los EEUU tu sorpresa es mayor. Conversamos con él haciendo patente que su gran bandera es la humildad y la amabilidad. Un tipo y un artista que resulta fuera de lo común del que afortunadamente tenemos la suerte de tener su disco disponible en plataformas y tiendas, a la vez que su gira pasa por nuestras ciudades esta semana. Si no lo conocéis, buscad su música porqué os dejará flipados, por lo que aún estáis a tiempo a verle en directo. Nos lo agradeceréis. 

Gira Española de Tiwayo: 

Miércoles 11 de noviembre de 2026: Santiago de Compostela, Riquela (Outono Códax) 
Jueves 12 de noviembre de 2026: Bilbao, Kafe Antzokia 
Viernes 13 de noviembre de 2026: Barcelona, TBA 
Sábado 14 de noviembre de 2026: Madrid, Babylon Jazz Club 
Domingo 15 de noviembre de 2026: Valencia, 16 Toneladas 
Lunes 16 de noviembre de 2026: Sevilla, Sala X 

En tus álbumes —"Gypsy Soul of Tiwayo" (tu primer trabajo), "Desert Rain" y este último—, tu música se nutre de géneros tradicionales estadounidenses como el blues, el folk y el Soul. ¿De dónde provienen tus influencias? 

Tiwayo: Yo también he escuchado mucho blues y soul. Mis padres solían escuchar mucho blues y jazz, especialmente mi padre. Crecí con esta música en casa, así que supongo que esas son mis principales influencias: el blues, el folk, el blues eléctrico y, sobre todo, el soul. Sí, esa es mi fuente de inspiración. También me influye mucho la música de los años 60 y 70, en particular por su sonido y su forma de componer. 

¿Qué nombres o artistas destacarías? 

Tiwayo: ¿Te refieres a artistas de aquella época? Pues, no sé...Si hablamos de Memphis Soul, en cuanto a la interpretación vocal, tengo que mencionar a Otis Redding. También, dentro de la figura del cantautor en el ámbito del soul, debo destacar a Bill Withers. Y, como también soy guitarrista, me apasiona el blues eléctrico —ese estilo a caballo entre el blues y el soul—, así que tengo que nombrar a Albert King. Ese tipo de soul característico de Memphis constituye, en realidad, la columna vertebral del álbum; Memphis —el Memphis Soul y el Memphis Blues— es mi principal fuente de inspiración. Son influencias fundamentales. 

¿En qué momento decidiste dedicarte a la música? 

Tiwayo: Bueno, fui a la universidad, y creo que dejé los estudios alrededor de los 25 años. Tenía 26 años por aquel entonces. En esa época, seguía haciendo música, tenía un trabajo a tiempo parcial y asistía a la universidad; llegó un momento en el que me di cuenta de que ya no podía concentrarme en los estudios, porque lo único que quería hacer era dedicarme a la música a tiempo completo. Así que intenté dedicarme a ello de forma profesional. Siendo sincero, empecé tarde: comencé a tocar la guitarra a los 16 años, lo cual es bastante tarde. Pero, desde el primer momento, supe que eso era a lo que quería dedicar mi vida: componer canciones, estar sobre el escenario, viajar por el mundo... Claro que lleva su tiempo llegar hasta ahí. 

A lo largo de tu carrera, has actuado por toda Europa e incluso has sido telonero de artistas como Norah Jones, Curtis Harding y Seal. ¿Qué aprendiste durante esa etapa? 

Tiwayo: Aprendí muchísimo. Cuando tienes la oportunidad de abrir los conciertos de artistas que consideras tus referentes, es una forma excelente de aprender y convertirte en un mejor artista en todos los sentidos. Guardo un recuerdo muy bonito de cuando fui telonero de Norah Jones: ella se quedó a un lado del escenario mientras yo tocaba, acompañada por su hijo. Al terminar la actuación, se acercó para decirme que lo había hecho muy bien. A su hijo también le encantó; es un recuerdo precioso. Siempre es gratificante recibir palabras así de personas con tanto talento. También tuve una buena conexión, una sintonía estupenda, con Curtis Harding. No lo sé. Siento que te aporta una especie de... diría que energía, una energía positiva para, ya sabes, continuar, seguir trabajando en tu música, mejorar y, bueno, alcanzar ese nivel al que aspiras llegar como músico y como artista consagrado. 

Acabas de lanzar uno de los mejores álbumes del año: "Outsider". Para mí, es una obra maestra del Soul. Además, este disco ha aparecido en la carrera para los premios Grammy. Cuando lo estabas grabando, ¿sabías que sería algo especial y que alcanzaría tal éxito? 

Tiwayo: No, creo que aún no hemos llegado a ese punto, pero debo decir que es un éxito. Ante todo, creo que es un éxito artístico. Y, para mí, ahí es donde reside el verdadero éxito —si es que existe algo así— para un artista. Porque, bueno, lo que puedo decir es que, cuando estaba en Austin, el álbum lo era todo para mí. Tenía que ser, sin duda, una declaración de intenciones, una propuesta muy sólida; al fin y al cabo, así es como funciona el mundo hoy en día. Tienes que presentar una propuesta contundente. Pero, por lo que viví en Austin, puedo decir que fue algo increíble; había una especie de magia. Estábamos en el estudio, y trabajar con Adrian fue una experiencia maravillosa. Los músicos conectaban de verdad con la música. Fue, digamos, un momento perfecto. Y cuando logras algo así en el estudio, es muy prometedor; es una buena señal. Quizás no llegues a tocar las estrellas, pero el disco puede tener, creo yo, un buen recorrido y traer cosas positivas. 

¿Por qué el título "Outsider"? ¿Te consideras un outsider —alguien ajeno al sistema—? 

Tiwayo: Sí, lo soy. Lo soy. De hecho, ayer mismo hablaba de esto con un amigo. Y sigue siendo un nombre muy, muy bueno para este álbum. Creo que le pusimos el nombre "Outsider" porque, ya sabes, hace referencia a varias cosas. El hecho de ser francés, hacer música estadounidense, ir a Texas y crear música soul... es una apuesta bastante audaz.

Por otro lado, creo que tengo un sonido particular, algo distinto, incluso dentro del panorama global del soul. Tengo mi propio estilo. Es algo que se sale de lo habitual. Además, como músico y artista en Francia, este tipo de música —no diría que es rechazada, pero— a veces queda eclipsada por la enorme cantidad de contenido, medios y energía que rodean al pop o al rap. Por eso, cuando te dedicas al blues, al soul o incluso al jazz, terminas ocupando, en cierto modo, la posición de un «outsider» (alguien de fuera). Y, al fin y al cabo, recuerda que, en su momento, los músicos de jazz en Estados Unidos solían llamarse a sí mismos «outsiders». Precisamente porque establecían sus propias reglas. Así que, por ahí va la cosa. 

Como has dicho "Outsider" se grabó en Austin (Texas) con colaboradores de gran renombre como Doyle Bramhall y Kendra Morris, además del productor Adrian Quesada, de Black Pumas. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con ellos? 

Tiwayo: Pues, como decía antes, fue algo realmente increíble. Fue, literalmente, un sueño hecho realidad; lograr trabajar con las personas con las que siempre había soñado fue algo verdaderamente especial. Adrian trajo a todos esos músicos maravillosos. Bueno, a Kendra no, pero sí trajo a Doyle, por ejemplo. Y, la verdad, no estaba del todo preparado para contar con alguien como Doyle. Fue cuando estaba en Austin; estábamos grabando y le pregunté a Adrian si podíamos conseguir a un gran guitarrista de Austin para que escuchara la música. Le encantó la idea y simplemente vino al estudio. Ni siquiera estaba preparado, la verdad. Fue algo realmente increíble. Y Doyle es un guitarrista y artista extraordinario. Así que, sí, fue algo increíble. Fue todo un éxito, un éxito artístico. 

Sin duda. Tu apodo, «The Young Old» (TYO), hace referencia a tu estilo vocal maduro. ¿Sientes que tienes un don especial en tu voz? 

Tiwayo: No lo creo. He ido aprendiendo a cantar sobre la marcha, ya que nunca fui a una escuela de música. Todo lo que sé, lo he aprendido en la práctica. Tocando en todo tipo de situaciones. Es algo de lo que me siento orgulloso: haber aprendido sobre la marcha, desarrollando mi oficio y mi propia voz. Creo que es algo que sigue evolucionando constantemente; por ejemplo, en "Outsider*". He logrado encontrar mi voz, un equilibrio en el tono que me permite contar mis historias manteniendo siempre un sonido sólido. 

En mi opinión, esta evolución de la que hablas en tu último disco respecto a los anteriores, es como si hubieras alcanzado un espacio aún más honesto. ¿Estás de acuerdo? 

Tiwayo: Antes de ir a Austin, estuve trabajando intensamente en el álbum en mi estudio casero. Durante dos años, me dediqué a componer las canciones y a buscar la tonalidad adecuada para cada una, tratando siempre de encontrar el tono perfecto para mi voz o para la historia que se narra en cada tema. Creo que este disco tiene un carácter muy personal que lo hace destacar, porque cada canción es, en realidad, una parte de mi vida. Eso se percibe claramente; al escucharlo, se nota ese compromiso personal. 

La próxima semana comienzas una gira por España con cinco conciertos. Iban a ser seis, pero en mi ciudad Barcelona cancelaron el festival FEROE. Es una verdadera lástima, porque me pierdo tu actuación. Mis compañeros de El Giradiscos seguro que irán a los conciertos de Madrid y Bilbao, pero yo estaba esperando el de Barcelona. Es una pena, pero quizás haya otra oportunidad más adelante. 

Tiwayo: Sé que es una lástima. Puede que volvamos. Estamos hablando de regresar, tal vez en primavera, quizás a Barcelona. No es seguro, pero ojalá podamos hacerlo. 

¡Buenas noticias para mí! Y para mi ciudad también; tengo muchos amigos a los que les encanta tu música. 

Tiwayo: España es un país muy apasionado, donde la música de raíces y el soul tienen mucha presencia. ¿Qué expectativas tienes respecto al público español? Para ser sincero, estoy muy emocionado. Me hace muchísima ilusión ir a España, por varias razones. Tengo raíces españolas por parte de mi madre. Mis abuelos vinieron de España. Aunque no hablo español, siento que es algo real. En cierto modo, siento que lo llevo en el ADN. Por ejemplo, París es un lugar muy simbólico para mí, relacionado con mi padre. Cuando voy a España, pienso en los orígenes de mi madre, así que estoy muy emocionado. Además, ya dimos un concierto allí este año. Fue en un festival increíble, fantástico. Fue en Sevilla; estuvo genial. Siempre que he ido a España, lo he pasado muy bien. Tengo muchas ganas de volver; estoy súper contento. Espero que la gente venga y disfrute. ¡Estoy muy emocionado! 

¿Cómo se llevan al escenario los temas de "Outsider" y cómo se transforman con tu banda? Es decir ¿qué pasa con los arreglos de cuerda y todo eso? 

Tiwayo: En vivo el disco es algo más crudo. En cierto modo, es más directo. Pero me encanta la formación. Batería, bajo, teclados y yo. Es una configuración muy esencial. Creo que funciona realmente bien. Hace que sea aún más fácil conectar con el público. Es una banda pequeña; creo que eso es precisamente lo bueno. Permite que la gente conecte con facilidad. A veces te encuentras con bandas grandes, pero esto es más bien un grupo pequeño. Las canciones son crudas. También tocamos algunas versiones. Creo que está funcionando bien. 

Eres un artista francés que canta en inglés. Tu alma musical tiene raíces profundas en el Soul estadounidense. ¿Qué aportas a tu música desde tu París natal? 

Tiwayo: He viajado a Estados Unidos en varias ocasiones... he estado allí en diferentes momentos y en distintos lugares. He conocido a gente de diversos estados y demás. Lo que creo haber observado es que, quizás... si es que hay alguna diferencia, reside en el hecho de que yo establezco asociaciones que algunos estadounidenses no harían necesariamente, o al menos no de la misma manera. No sé si me explico bien, pero suelo combinar mis influencias de una forma muy personal. Todos los artistas lo hacen. Por ejemplo, al explorar el género Soul-blues. Es algo particular. En Estados Unidos hay mucho de eso, pero a la vez no tanto. Últimamente, por ejemplo, he estado escuchando mucho Motown. Algo así como un Soul con una instrumentación rica y envolvente. Supongo que creo mi propia mezcla de influencias. Es mi toque francés. 

En los últimos años han surgido grandes músicos que, como tú, están ayudando a revivir la música Soul. Pienso en artistas como Michael Kiwanuka, Curtis Harding y Leon Bridges. ¿Qué tiene la música Soul que nunca pasa de moda y que trasciende razas, fronteras y épocas? 

Tiwayo: Creo que es porque nace del corazón. Es una forma muy humana de hacer música. Para mí, es eso: música del corazón. Existe una dimensión de sinceridad. Todos estos artistas son grandes cantantes; en el Soul, el estilo del intérprete es fundamental. Michael Kiwanuka, Leon Bridges y Curtis son cantantes increíbles. Además, está esa entrega que percibes cuando un cantante se vuelca por completo en su música: música del corazón, sinceridad, grandes voces y una excelente ejecución instrumental. También tiene mucho que ver con la interpretación. Me parece una música muy humana y orgánica. 

Mencionaste que escuchabas los discos de jazz de tus padres. ¿Te planteas grabar un disco de jazz en el futuro? 

Tiwayo: No lo sé, el jazz es algo distinto; cada género tiene sus propios códigos. Pero, ¿por qué no? Por ahora, quiero centrarme en el Soul, en el Soul y el blues. Quiero consolidarme como un «outsider». Quiero seguir avanzando en esa dirección, aunque, por supuesto, también busco explorar diferentes matices musicales. Me siento muy a gusto con el estilo que tengo ahora mismo. 

Una vez que termine la gira «Outsider», ¿qué planes tienes? 

Tiwayo: Esperamos poder llevar «Outsider» de gira también en 2027. Tengo muchas ganas de seguir recorriendo lugares y tocando ese álbum en directo. Sinceramente, es una alegría interpretarlo, estar sobre el escenario y conocer a gente de distintos sitios. Me encanta, y creo que el álbum se lo merece. Me siento muy bien en el escenario con mi banda. Disfruto mucho conociendo gente, conectando con los demás y charlando con el público después de los conciertos. Solo quiero estar de gira también en 2027. Ya veremos qué pasa en 2028. Probablemente publique algunos temas —canciones nuevas, sencillos— en 2027. Y luego, obviamente, me pondré a trabajar en un nuevo disco. 

Si tuvieras que elegir una sola canción de tu repertorio para presentarte a alguien que nunca ha escuchado a Tiwayo, ¿cuál elegirías y por qué? 

Tiwayo: Es una respuesta sencilla: creo que elegiría «I'll Get To Travel Alone». Es una buena elección porque resume toda mi vida. En la música se pueden percibir distintos colores: se nota el Soul, algo de blues, un toque áspero, mucha energía en la interpretación... y los coros, y todo lo demás. Creo que esa sería mi elección.

“Dejémoslo como estaba” de Alcalá Norte. La banda madrileña derrocha “ocio y escuela”


Por: Guillermo García Domingo. 

“Qué nadie entre sin saber geometría“. Esta era la advertencia inscrita en el frontispicio de la Academia platónica, y debería servir de aviso también, 24 siglos después, para los que tengan el acierto de acercarse al último disco de Alcalá Norte: “Dejémoslo como estaba“, publicado por Balaunka. La banda adoptó el nombre del centro comercial situado en el popular barrio madrileño de Ciudad Lineal. Un centro de ocio y comercio venido a menos, que haría bien en poner este disco en bucle si quiere atraer a miles de visitantes.

En las calles de su barrio, soñadas y delineadas por el demiurgo matemático de Arturo Soria, protagonista de este disco, que aparece encaramado al monolito que está delante del citado centro en la ilustración de Carle Naide para la portada, se fraguó el primer disco, que provocó un notable revuelo entre los aficionados. La maestría de este trabajo reciente demuestra que el origen del seísmo no era superficial sino mucho más profundo. 

El grupo madrileño (formado por Álvaro Rivas al micro y a la pluma, Barbosa en la batería, Carlos Elías a la guitarra, Laura de Diego a los teclados, y el bajista Pablo Prieto) ha escrito un capítulo más del mundo propio que han erigido en tan solo dos discos largos y que ellos mismos denominan “urbanismo mágico”. Es un universo en el que comparten sitio los guiños y la jerga de los colegas de barrio, junto a estrofas que parafrasean “Crimen y castigo”, la descomunal novela psicológica de Dostoyevski, un paseante que se parece mucho a Nietzsche, un músico que vende su alma al diablo, y que se parece en este caso a Paganini, la delgada Muerte merodea vestida “cota de malla”, y sobre todo un montón de extravagantes discípulos de Pitágoras, como Arturo Soria. Una panoplia fantástica compuesta de “ocio y escuela”. Cualquiera que haya presenciado su despliegue en directo coincidirá en que ellos mismos encarnan sin pretenderlo a personajes literarios/cinematográficos, Carlos y sus greñas de Gandalf, el inconmensurable Barbosa, el “heavy de instituto”, inseparable de su amigo, que no puede ser más distinto que él, Rivas, el empollón de turno. 

En lugar de rectificar, los Alcalá Norte insisten en el pecado original de su primer disco. Estos chavales de Ciudad Lineal van a lo suyo. Han decidido subirse a la balsa de sus extravagancias musicales e introducirse en las procelosas aguas del mundo musical y que la aventura continúe. Han desempolvado unos sintetizadores que nadie usaba desde hacía 40 años, mientras que Rivas ha compuesto las letras más dichosamente extrañas desde que Poch y Derribos Arias hicieran lo mismo. El sonido de los teclados de Laura de Diego define todos y cada uno de los temas de este álbum, sin menoscabo del alma heavy que encarnan la locomotora rítmica alimentada por el dúo maquinista formado por Barbosa/Prieto y la guitarra salvaje de Elías. En el directo la parte rítmica gana protagonismo debido al mando que asume Barbosa, un baterista directo, en absoluto diletante, de la escuela de Eric Jiménez (Lagartija Nick y Los Planetas). 

La otra escuela del disco son “Los llamados pitagóricos” de Crotona. Las anécdotas de los miembros de esta secta filosófica, dignas de las historias descacharrantes que reunió Diógenes Laercio sobre los primeros sabios de Grecia, que habitan la canción número 5, son más elocuentes de lo que parecen a simple vista. Pitágoras era un “ander theos”, un hombre divino, de ahí que anduvieran “endiosados”. El veganismo que adoptaron, “no visten de lana”, que a buen seguro será uno de los lemas de la próxima gira, remite a su teoría de la transmigración de las almas, y la doctrina dualista que tanto recorrido va a tener en el pensamiento occidental está resumida concisamente en el féretro que llevan a cuestas. Porque, tal y como afirma Platón en el Fedón, haciendo caso a los pitagóricos, el cuerpo (“soma”) es la tumba y la cárcel (“sema”) del alma. 

Dice la leyenda que Paganini, que se asemeja a “El hombre planeta” de la canción homónima incluida en el disco, hizo un pacto con el diablo. Los miembros de Alcalá Norte, ¿habrán seguido el ejemplo del violinista? En ese caso serían “Satánicos y de Ciudad Lineal (en lugar de Carabanchel)”. No es la maldad lo que define al ángel caído. Esa es la acusación que la apologética cristiana endosó al ángel rebelde que decidió no obedecer los dictados divinos. Y es que en todo el disco hay un afán prometeico, y no tanto satánico, en todos los personajes a los que aluden las canciones. Si no fuera así, el “endemoniao” Nietzsche no se habría quedado a vivir en esa canción/pensión, como aquellas en las que se alojaba el filósofo para aliviar su maltrecha salud.

El valor de las bromas literarias y filosóficas, la hilaridad es el santo y seña de este grupo de poderosa inteligencia colectiva, no está escindido del incuestionable valor musical de “Dejémoslo donde estaba”. Solamente le falta un tema más para convertirse en un dodecaedro perfecto. El disco es rotundo como una esfera, gracias a una producción que ha pulido su sonido y ha lijado cualquier imperfección. La ecualización al alza de los teclados ha realzado las canciones. Han bastado 11 canciones inspiradas de veras para liberar a los sintes de la maldición hortera que los tenía secuestrados.

Uno se pregunta si en la segunda cara serán capaces de mantener la intensidad del ciclo que hay entre “En Valmy” y “Los llamados pitagóricos”. En la primera como ya hicieran en el primer disco nos introducen sin pedir permiso en el barro de la batalla de Valmy, a finales del siglo XVIII, con la ayuda de uno de los más lúcidos testigos de otra carnicería, Ernst Jünger, que les presta alguna frase. Pero en el reverso del disco nos encontramos nada menos que con “El contador de muertes”. En nuestra revista nos gusta llevar la contraria como al ángel caído. Y si bien no dudamos de que “El hombre planeta” se convertirá en la nueva enseña del grupo, no podemos mostrar resistencia alguna ante el empuje de “El contador de muertes”, que alude al interés necrófilo y mórbido que despiertan las catástrofes entre las masas gracias al altavoz de los medios audiovisuales. Todo ello embadurnado de un humor más negro que la brea. “Campos de golf”, al igual que “Claudia” en la primera parte, es un destilado onírico, en el que el límite entre el sueño y la pesadilla se desdibuja. Los improperios terribles del atormentado Raskólnikov penden sobre la canción como si fueran su hacha homicida. Las canciones internacionales, “Icare”, versión de un tema de una banda francesa llamada también así, y la berlinesa “Oscar The Tiny One”, en inglés, funcionan tan bien que cualquiera diría que estos viejóvenes han experimentado las mejores canciones de una época que no vivieron. 

La biografía musical de Arturo Soria, deidad del urbanismo mágico, no podía faltar. Es él quien pende del monolito del centro comercial en la ilustración de la portada de Naide. El título del disco lleva el mismo nombre que una oscura aguada de Goya en la que aparece un monje, tal vez un inquisidor, que el ilustrador ha hecho acompañar de otros misteriosos monjes. Así que es muy pertinente que la última canción sea la transcripción musical de una estampa musical de Francisco de Goya. “La venta nueva” es el regreso al barrio de Ciudad Lineal, la génesis primordial del grupo y sus canciones. Todo lo que queda a un lado y a otro de la parte alta de la Calle Alcalá, albergaba hace doscientos años ventas y quintas donde coincidían los viajeros procedentes de Aragón y los lugareños. Alcalá Norte superpone los planos del tiempo de la Ciudad Lineal actual y la del dieciocho, las acémilas conviven con los coches en esta extraordinaria canción rebosante de épica de barrio, si existe algo así. Goya se sentiría fascinado por ella, y se sorprendería de que la vida popular no ha cambiado tanto desde entonces cuando él la retrató con una mirada compasiva, no exenta de amargura, y en ocasiones de espanto.

Cuando entrevistamos a Álvaro Rivas hace unos días admitió con admirable modestia que ansiaban grabar un nuevo disco para disponer de un repertorio más amplio que ofrecer a sus seguidores en los conciertos venideros. “Dejémoslo como estaba” supone mucho más que eso. La Academia fundada por Platón estuvo ochocientos años en funcionamiento. No sé si Alcalá Norte perdurará tanto tiempo, parece un objetivo inalcanzable, pero mientras esté abierta su “escuela” la felicidad exultante que transmite su doctrina musical está asegurada.

In-Edit clausura su 24 edición con el mejor cine musical


Por: Àlex Guimerà. 

Parece mentira que vayan ya 24 ediciones del festival de documentales musicales In-Edit, y la verdad es que el evento ha estado siempre allí puntual en pleno otoño barcelonés -aunque la expansión lo ha llevado a otras ciudades españolas e internacionales, para este año en Méjico, Brasil, Colombia,... - . Una edición que arrancó la noche del pasado día 29 de octubre tras larguísimas colas y entre invitaciones alcohólicas de los actuales patrocinadores (Campari Spritz y cerveza Moritz). Con el habitual maestro de ceremonias, Bruno Sokolowicz, la ceremonia inaugural dio entrada a la directora ejecutiva del festival, Astrid Rose, al fundador Uri Altell que exhibía el premio Aupa! ganado el día anterior en Bilbao y al director artístico Toni Querol quién repasó (chuleta en mano) las principales propuestas de la presente edición. Una edición nuevamente muy completa y variada que ha supuesto varios “sold out” y que confirma nuevamente el éxito de una propuesta cultural que es toda una institución. Por nuestra parte hemos podido gozar de algunos de los largometrajes del cartel, dejándonos muy gratas sensaciones. 

"Broken English", de Jane Pollard e Iain Forsyth (2025) (PREMIO INTERNACIONAL)

Marianne Faithfull es una de esas artistas con mayúsculas que ha tenido que luchar contra la etiqueta de "juguete roto", ex-novia de Mick Jagger y belleza de la swingin’ London de mediados de los sesenta. Pero la realidad es que fue una inquieta artista que siempre buscó la forma de expresarse, ya fuera a través de la poesía, de la música o incluso del cine. Afortunadamente la dupla de directores Iain Forsyth y Jane Pollard - conocidos por el también premiado “20.000 días en la Tierra”, el documental sobre Nick Cave de 2014 – han rescatado su figura justo antes de desvanecerse para rendirle un homenaje merecido. Y lo han hecho de modo experimental en esa fusión entre ficción y documental en la que tan bien se mueven. 

El punto de partida es el “Ministerio de la Memoria” encarnado por la actriz Tilda Swinton quién decide revisar la vida y los recuerdos de una débil Marianne quien va contestando a las preguntas mientras se intercalan imágenes y entrevistas de archivo y reinterpretaciones de sus canciones de la mano de músicos de la talla de Beth Orton, Sukie Waterhouse o Courtney Love. Así vemos su ascenso con 17 años gracias sobre todo a “As Tears Go By”, la relación tóxica con el entorno de los Rolling Stones, los tiempos oscuros con sus adicciones al alcohol y a las drogas, su renacimiento con la obra magna “Broken English” (1979) y la madurez artística de sus últimos años. Por desgracia, el virus del Covid-19 afectó a su salud dejándola frágil con importantes problemas respiratorios falleciendo en enero de 2025. Justo antes pudo terminar este documental que es su último testimonio y que se cierra con su última actuación pública en la que canta junto a Nick Cave y Warren Ellis, regalándonos el final mas emotivo posible. 

“Triana. El faro no cesa”, de Luís Miguel Fernández y y Javier Reboredo (2026)

Con motivo del 50 aniversario de su fundación, este corto documental de apenas 60 minutos de duración realiza un emotivo homenaje a la banda y al único miembro vivo en el momento del rodaje, Eduardo Rodríguez Rdoway (fallecido este pasado septiembre). Con Eduardo como hilo conductor recreando lugares esenciales en la historia de la banda mientras charla con invitados de lujo que reflexionan sobre la importancia de su banda. Así, vemos como Kiko Veneno le va acompañando por las calles sevillanas, pero también vemos como van apareciendo artistas de la talla de Annie B Sweet, Mercedes Ferrer, Nat Simons o los Derby Motoreta's Burrito Kachimba, entre muchos otros, interpretando el cancionero del legendario trío. No faltan tampoco voces relevantes de la música como Miguel Ríos, Bunbury o José Mercé quienes nos recuerdan la trascendencia de Triana en la música española y cómo fueron pioneros al fusionar el rock (Pink Floyd o King Crimson se encontraban entre sus principales influencias) con el flamenco de su tierra natal. Por si fuera poco aparecen Ramiro el hijo del genial Jesús de la Rosa (teclista y principal compositor de la banda), Maria la hija del batería Juan José Palacios "tele" y un lozano Antonio García De Diego, no miembro de la banda pero que aportó su guitarra en los seis discos. Un documental y una banda imprescindible que merecen un análisis aparte.

“Bowie: The Final Act”, de Jonathan Stiansy (2025) 

A lo largo de los últimos años ha habido muchos documentales sobre la figura de David Bowie, por lo que antes de ver el documental nos preguntábamos qué podía aportarnos este film. Pues, una vez visto, podemos afirmar que es original y que a pesar de tener cierto desorden su premisa casa bastante con el personaje y con el artista. Y es que lejos de hacer una revisión ordenada de su biografía la película va dando saltos por distintas etapas de su carrera con esas reinvenciones y cambios de registro que tanto y tan bien marcaron su carrera. Por eso me parece un acierto que se centre en una de las épocas que más se omiten de su gloriosa carrera, los años noventa. Una época en la que tras los agitados ochenta con su figura estancada como estrella indiscutible, Bowie decidió formar Tin Machine para ser uno mas en la banda. Un proyecto que apenas duró dos discos y fue linchado por la crítica pero que merece revisar. 

También nos muestra sus otros pasos por aquella década oscura para él como su incursión en la música electrónica y el drumb’ n bass de la mano de “Earthling” (1997) o la experiencia con la banda sonora para la serie “The Buddha Of Suburbia” (1993). Una década que daría paso a su resurrección artística con su presencia en el festival de Glastonbury del año 2.000 en la que recuperó sus canciones históricas y no solo reconectó con su pasado si no también con público y crítica. Aunque también hay vueltas por el pasado como el último concierto de la gira de Ziggy Stardust en julio de 1973 en el Hammersmith Odeon de Londres, o su etapa con el Plastic Soul, aunque si se omiten otras etapas cruciales como puede ser su época berlinesa. Quizás ese es el principal defecto del documental, el por qué se eligen unas etapas y no otras. En cambio si que vemos retratado ese “acto final” que da el título con un repaso emotivo de la grabación de su canto del cisne “Black Star” de 2016 con el que abandonó este mundo. Entre medio, las imágenes de sus actuaciones, de sus entrevistas, pero también de algunos de sus colaboradores mas relevantes como Toni Visconti o los guitarristas Earl Slik (de la gira Reality Tour) y Reeves Gabrels (compañero en Tin Machine), junto con otros nombres como Rick Wakeman, Moby, Goldie o su biógrafo Dylan Jones. Todos ellos nos ayudan a desgranar, en parte, una figura tan compleja como fundamental en la música de nuestro tiempo. 

Fugs Film!, de Chuck Smith (2025)

Interesante documental de esta banda bastante desconocida que navegó en la contracultura de los años sesenta enfrentándose a los poderes de los EEUU y la moral imperante del stablishment con altas dosis de humor, combatividad y originalidad. El documental llega cargado de imágenes oníricas, psicodelia e irreverencia para narrar la infrahistoria de esta formación a descubrir. Hablamos de los Fugs, una banda surgida de una librería del East Village neoyorquino con la vocación de dotar de contenido literario a la música rock (o eso nos dice Ed Sanders). A lo largo del metraje vemos como sus protagonistas narran la historia de primera voz, así las entrevistas con Ed Sanders, Ken Weather, Peter Stampfel y la bajista transgénero Jackie Anderson (para entonces se llamaba John) van recordando pasajes de sus intensas historias personales como de la historia de los Fugs . Hay presencia también de cortes de gente como Alan Ginsberg pero también de fans que recuerdan con emoción sus conciertos y su música.

Es la historia de una banda que logró interesar a los Steephenwolf, al mismísimo Paul McCartney cuando le pusieron su disco - llegando incluso en una ocasión a firmar a un fan como Tuli Kupfeberg, miembro y compositor de los Fugs-, o a Bob Dylan quien les elogió en una entrevista por la radio, siendo además influencia directa en la música de Patti Smith. Un interesante relato de una banda de culto y de su lucha para la liberación en contra la hipocresía a través de una música ecléctica llena de influencias y unas letras subversivas y provocativas que tanto podían denunciar la guerra del Vietnam y atacar a la CIA, como podían describir escenas escatológicas y sexuales, o abogar a favor del consumo de las drogas, o a la fin, hacer apología de lo políticamente incorrecto.

PREMIADOS DE LA 24ª EDICIÓN DEL FESTIVAL IN-EDIT BARCELONA: 

Mejor Largometraje Documental Musical Internacional: Broken English, de Jane Pollard e Iain Forsyth. 

Mención honorífica: Celtic Utopia, de Lars Lovén y Dennis Harvey. 

Mejor Largometraje Documental Musical Nacional: Kiro, de María Yáñez. 

Mejor Cortometraje Internacional: Is That All There Is?, de Kelli Miller. 

Mejor Cortometraje Nacional: El Perla, de Marta Busquets López. 

Premio APOLO al Mejor Vídeo Musical: Em torno boig (de Triquell), dirigido por Dardo Sedante.

El periodista musical J.F. León estrena el ambicioso proyecto audiovisual llamado "El Olimpo del Rock"


Detrás de algunos de los grandes discos y canciones de la historia del rock hay historias que merecen ser contadas. Amistades, rivalidades, accidentes, excesos, decisiones que cambiaron el rumbo de la música y episodios tan disparatados que cuesta creer que sucedieran de verdad. Historias que, además de entretener, nos ayudan a comprender mejor a sus protagonistas y la música que dejaron.

Con esa premisa ha nacido el 2 de noviembre "El Olimpo del Rock", el nuevo proyecto audiovisual del periodista musical J.F. León, con más de tres décadas de experiencia en prensa, radio y divulgación musical. Un canal de YouTube —con episodios de unos quince minutos— dedicado a recuperar momentos decisivos, anécdotas extraordinarias y personajes fundamentales de la historia del rock y de las músicas que lo hicieron posible. 

UN OLIMPO CON MUY POCA SOLEMNIDAD 

El nombre del canal no es casual. Su identidad visual recrea un particular templo inspirado en la Grecia clásica, con columnas, mármol y elementos arquitectónicos que proporcionan un marco reconocible a las historias. Pero que nadie espere una sucesión de bustos venerables acompañados de discursos solemnes. Precisamente para romper esa solemnidad aparece, intermitentemente, un personaje caricaturesco y animado (un trasunto del propio JF) que introduce y despide los episodios, aporta pequeñas dosis de humor y establece una complicidad directa con el espectador. 

El contraste entre la estética clásica y la irreverencia del personaje forma parte de una propuesta visual deliberadamente alejada de los formatos más convencionales (e impersonales) que dominan actualmente en la divulgación musical que podemos encontrar en YouTube. La intención es que cada episodio tenga personalidad propia sin perder una identidad común: una combinación de narración documental, fotografías históricas, material de archivo, recursos gráficos y animación, con especial atención al ritmo y a la reconstrucción de los acontecimientos. 

MENOS PROTAGONISMO PERSONAL, MÁS HISTORIAS 

Aunque J.F. León investiga, documenta y escribe los guiones, su intervención se limita a breves apariciones a través de su alter ego animado. El protagonismo corresponde a las historias y a sus personajes. La narración documental corre a cargo de Julie Thomasoro, locutora profesional bilingüe con una extensa trayectoria radiofónica, que aporta su voz y su interpretación a las versiones española e inglesa. Sin limitarse a una traducción automática, ambas versiones comparten el mismo planteamiento editorial y cuentan con una locución profesional destinada a conectar con públicos de diferentes países. 

En la producción participa también Carolina T., responsable del montaje documental, mientras que el diseño gráfico y la materialización de la identidad visual han contado con Antonio Latre y su equipo de By La Mamba Negra. El resultado es una producción de factura excepcional, inusual para una producción independiente, que busca combinar el rigor del periodismo musical con las posibilidades narrativas y visuales del lenguaje audiovisual contemporáneo. 

MUCHA HUMANIDAD EN TIEMPOS DE AUTOMATIZACIÓN 

En un momento en el que proliferan los contenidos audiovisuales generados de forma casi automatizada –con muchos canales íntegramente creados con IA–, El Olimpo del Rock apuesta por un modelo diferente. La tecnología, obviamente, forma parte de sus herramientas de producción, pero las decisiones editoriales, la selección de las historias, la investigación, la escritura, el montaje, y la interpretación narrativa responden a un trabajo humano. Detrás de cada episodio hay documentación, criterio periodístico, experiencia y una pasión por la música cultivada durante casi medio siglo.

«No queremos hacer una Wikipedia audiovisual ni limitarnos a encadenar datos que cualquiera puede encontrar en internet. Queremos contar historias. Y hacerlo con el conocimiento, la pasión y el sentido del humor de alguien que lleva prácticamente toda la vida escuchando música. Si al terminar un episodio el espectador siente curiosidad por escuchar un disco o descubrir a un artista, habremos conseguido algo importante», explica su creador.

De hecho, en la descripción de cada vídeo, el espectador podrá encontrar un enlace que le permitirá disfrutar de una playlist con canciones que van más allá del simple acompañamiento del vídeo. 

PARA QUIENES LO SABEN TODO… PERO TAMBIÉN PARA QUIENES ESTÁN EMPEZANDO A DESCUBRIRLO 

El Olimpo del Rock nace con una vocación divulgadora que pretende conectar con espectadores de distintas generaciones y niveles de conocimiento musical. Quienes llevan décadas escuchando rock encontrarán historias, conexiones inesperadas y quizá algún dato que desconocían, capaces de invitarles a revisitar discos conocidos desde otra perspectiva. Mientras que quienes se acerquen por primera vez a esos artistas podrán descubrirlos a través de relatos accesibles, entretenidos y contextualizados. El proyecto tampoco pretende quedarse exclusivamente en los grandes nombres. 

Aunque los primeros episodios sí abordan historias reconocibles, su línea editorial contempla también artistas de culto, escenas menos exploradas y episodios alejados de los lugares comunes de la historia musical. Además, cada vídeo se acompaña de información complementaria y una lista de reproducción especialmente preparada para ampliar la experiencia, recuperar las canciones mencionadas y descubrir otras que permiten profundizar en el relato. La idea es sencilla: que el documental no sea necesariamente el final de la historia, sino el principio de nuevas escuchas. 

UN PROYECTO INDEPENDIENTE CON VOCACIÓN INTERNACIONAL 

El lanzamiento de “El Olimpo del Rock” simultáneamente en español e inglés responde a la voluntad de construir una comunidad internacional de aficionados a la música. No se trata de competir en volumen con los grandes productores de contenido (casi siempre espoleados por el uso, o más bien abuso, de la IA), sino de desarrollar un catálogo de historias que conserven su interés con el paso del tiempo. Porque los grandes discos envejecen, pero las buenas historias que hay detrás de ellos siguen mereciendo ser contadas. Y en este particular Olimpo, además, los dioses del rock tienen permitido reírse de sí mismos. 

CUATRO EPISODIOS PARA ABRIR LAS PUERTAS DEL TEMPLO 

El lanzamiento se realizará con cuatro documentales (de unos 15 minutos de media) que permiten descubrir desde el primer día el planteamiento del canal. 

EPISODIO 1 — Layla: la historia de amor que creó un himno del rock 

Vídeo en español: https://youtu.be/KFQc2Xmp7ww 


EPISODIO 2 — Phil Spector: pistolas, Ramones, Lennon y una historia que dejó de tener gracia 

Vídeo en español: https://youtu.be/6YmeoupjTRE 


EPISODIO 3 — Gram Parsons: murió con 26 años… y entonces empezó la historia 

Vídeo en español: https://youtu.be/dba_rad0ewY

 Vídeo en inglés: https://youtu.be/iRE0_jQPe-w 

EPISODIO 4 — Gram Parsons: robaron su cadáver… y le prendieron fuego en el desierto 

Vídeo en español: https://youtu.be/_k1iY64LqcY 


 INFORMACIÓN Y ENLACES: EL OLIMPO DEL ROCK
 

English-language channel https://youtube.com/@TheOlympusOfRock

Malcolm Scarpa: "33 1/3 Microsillons – 30 Aniversario"


Por: Txema Mañeru. 

El amigo Luis González (Caballero Reynaldo) sigue haciendo todo lo posible para que la gente conozca la grandeza del desaparecido Malcolm Scarpa. Lo hemos constatado en El Giradiscos con todas y cada una de las cajas de 3 compactos o más que está editando en tiradas limitadas con motivo de los respectivos 30 Aniversario. Ahora, él mismo, Caballero Reynaldo, acaba de publicar su chulo “64” (Caballero Reynaldo Producciones Psicotrópicas). Sí, tiene 64 años y es su disco número 64, pero no cuenta los que grabó con el propio Malcolm Scarpa, Mar Otra Vez o Amor Sucio. ¡Vaya crack! El disco comienza con los Beatles y acaba con Frank Zappa, ambos en estrambóticas versiones instrumentales. Luego se atreve hasta con Quevedo y sorprende con buenos temas propios. Puedes conseguir sus discos y los de Malcolm en www.caballeroreynaldo.es. 

Pero vayamos a esta guapa nueva edición del “33 1/3 Microsillons – 30 Aniversario”. Vuelve a alcanzar las 3 horas de duración, ya que son 3 compactos y un total de 64 temas. El primer compacto trae el disco al completo remasterizado de las cintas DAT master, lo que implica un muy buen sonido. Luego añade 6 Outtakes y temas adicionales. El segundo compacto se titula “The Magic Demos Vol. 4” porque es el cuarto disco que han reeditado de esta guisa. El tercer compacto se acerca a los 80 minutos y se titula “En Directo – Valencia HOF Archivos Vol. 8” y trae un total de 27 temas. A esto hay que sumar el ya habitual y espléndido libreto de 24 páginas en formato libro. Te recordamos que en esta ocasión la tirada es tan sólo de 100 ejemplares por lo que debes moverte con celeridad, si te quieres hacer con alguna de ellas.

Fue injustamente desconocido para el gran público, pero bastante, y merecidamente, reconocido por la prensa especializada. Pero vayamos con el disco original. "Destination Wrong" era un acertado arranque de aires americanos con buenos coros y guitarras. Contaba con un estribillo pegadizo para corear de aires pop. "Hospitals" es puro pop Beatle con los excéntricos coros alucinados y risas de ultratumba que caracterizaban a Malcolm. Me encanta "Betrayed Beloved" con su parsimonia y su melodía cambiante con arreglos casi cercanos al rock progresivo, por momentos. Vacile gabacho en una divertida "A Tribute To La France" por la que pasan La Nouvelle Vague y hasta Eric Cantona. "Friends Everywhere" es una tierna balada con su voz, coros y acústica. "Heartbreak Ahead" es más viva, rock y eléctrica, mientras que "You Might Get Better" es optimista y tiene una exquisita melodía vocal. "Solitude Is A Magic Word" es una alegre tonada puro The Kinks music-hall, y "Blueprint For The Blues" brilla por su fina guitarra eléctrica y su dulce melodía. Siempre muy presentes The Beatles y The Kinks, regresa a los primeros, más dominados por Macca, con la animada "Gotta Get You Somehow". "Hotels" es tierna y hasta cuenta con teclados sonando como cuerdas y es muy crooner, aunque luego entra el piano y ese aire al music-hall de los Kinks que tanto le gusta. "My Little Alarm Clock" parece contar hasta con caja de ritmos y destellos de electrónica de bolsillo. "This Time (Malcolm’s Not My Name)" es rica en sonoridad y muy animada, aunque nos vacile con su nombre artístico. Buen final con "Der Traurige Kleine Mann", otra de sus excentricidades marca de la casa con breve narración en alemán y luego misteriosos teclados. Con dicha locura se va hasta los 5 minutos y medio.

Entre los bonus tracks de este primer disco destacan las versiones de The Beatles, "ObladiOblada" y, sobre todo, el "Twenty Small Cigars" de Frank Zappa. En el disco de las demos, además de la mayoría de temas del disco original, tenemos sorpresas como "I’m Sorry We Met" o "The Land Of My Broken Dreams". Entre los 27 temas del compacto en directo también tenemos muchas de este disco, pero están acompañadas de clásicos de sus comienzos como la siempre feliz "Do The Baccarola" o habituales blues como "I Got The Blues When It Rain". Entre las versiones se acuerda de su amigo Ñaco Goñi en "The Jitter Jive", se atreve con Elvis en "It’s Now Or Never", repite con su habitual "Jambalaya" de Hank Williams, aunque también la transformaron The Residents, y sorprende con el tema de Cookie, "I’m Gonna Give Me A Myself Party". ¡Qué siga la golosa y abundante fiesta anual de reediciones!

Arde Bogotá: “Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS)”


Por: Javier Capapé. 

Demasiado "hype" nos impide ver con claridad. Arde Bogotá se enfrentaban con su tercer largo a su reto más exigente. Tras convertirse en la banda de rock más popular y laureada de nuestro país, con un ascenso meteórico que les hizo copar los más grandes escenarios por encima de cualquier otro rival de escena, tenían la difícil tarea de renovar su apuesta con unas canciones que les mantuviesen en lo más alto. Podrían haber apretado el piloto automático y dar lo que se esperaba de ellos. Podrían haber organizado la mayor gira por grandes recintos del país recreándose en sus éxitos. Podrían haber vuelto a recorrer la A3 sin salirse del guion. Pero afortunadamente no ha sido así. 

“Manufacturas del Club de la Gente Sola” o “MCGS”, que ahora están de moda los acrónimos, es su tercer disco. Parece mentira que tan solo con tres álbumes los cartageneros estén en boca de todos, pero así es y lo abrazamos con gusto. Todos estamos invitados a este club porque todos necesitamos sentirnos solos para construir algo sólido, para manufacturar algo grande que nos haga abrir el pecho y volver a vibrar. Este disco no es un manual de autoayuda, pero con él podemos volver a sentirnos vivos y unidos a ese colectivo que es su singular club de solitarios. Porque muchos solitarios hacen una comunidad y esa comunidad es la que nos une. Por ese camino se mueven estas canciones armadas como una secuencia emocional. El propio grupo, sin hablar de disco conceptual, ha admitido que han intentado recrear un camino que va del deseo a la tristeza, la culpa y, por último, la consolación. Así que será a través de esas coordenadas con las que trataremos de entender esta propuesta, sincera en lo lírico, con un discurso bien definido, y muy valiente en lo musical.

Por primera vez en su corta pero intensa carrera, las canciones que conforman el disco salen de su zona de confort. Se tiñen de aromas del sur, de aires fronterizos, de sonidos postindustriales y de baladas melancólicas. Hay una cosa que me llamó la atención desde la primera escucha, los de Cartagena suenan mucho más duros, porque, no nos engañemos, en la supuesta dureza de antes había mucho pop para todos los públicos. Suenan ásperos y crudos, pero entregan, a la vez, las canciones más sentidas de su discografía. La palabra que más se escucha en estos intensos cuarenta minutos es “pecho”, porque el disco busca sentirse desde dentro, vivirse con el corazón en un puño. Partían de la idea de construir un corazón que no sintiera, pero se dieron cuenta que desconectando de verdad el corazón y la sensibilidad terminabas aislado del resto y encontrabas la soledad, por lo que era necesario sentir para buscar esa comunicación. Por eso, este “MCGS”, aunque pueda parecer lo contrario, es más colectivo y abierto que solitario.

La banda se desplazó a los estudios East West de Los Ángeles para trabajar bajo la dirección de Joe Chiccarelli, que se encarga de una producción pesada, pero en la que apreciamos todo tipo de matices. Hay cierto sentimiento de asfixia u opresión en ellas (quizá por la oscuridad que les ha impreso el norteamericano), pero eso hace que las notemos más vivas. El cuarteto parece querer renovarse desde el primer minuto. Sonando a ellos mismos, pero aportando una nueva cara, nuevos arreglos que hace tan solo dos años no hubiéramos esperado nunca en ellos. Podemos sentir aires de pasodoble, amagos de copla y hasta flamenco. Han decidido abrir sus puertas a todo lo que les haga sumar. De hecho, una de las etiquetas que siempre les habían colgado, esa que comparaba la voz de Antonio García con la de Bunbury, queda ya muy lejos. Antonio canta con más ternura, menos engolado y con un mayor registro que en “La Noche” o “Cowboys de la A3”, que eran mucho más planos en este aspecto. Esta vez las comparaciones nos llevan más hacia las guitarras de Dani Sánchez con Juan Valdivia y ese sonido que destiló en su experiencia americana con Bob Ezrin en el crepuscular “Avalancha”.

Aquí hay mucho más que antes. Rock americano crudo, mezclado con una apuesta patria singular y muy personal. “MCGS” es su mejor disco. Sin duda. El más creíble. No suena a producto prefabricado. Tiene personalidad. Y es que quizá Arde Bogotá hayan encontrado en este mar de éxito que les aisló como individuos el buen caldo de cultivo desde el que partir para construir algo personal y muy valioso. Si hay que caer para encontrar tu sitio, si hay que sufrir y sentir el dolor en el pecho, bienvenido sea ese sufrimiento. Desde luego que en este caso les ha servido, y mucho, para hacerse con un disco que nos ha cautivado a los más descreídos.

El manual de instrucciones para este viaje en soledad se inicia con el ruido y la furia que arrojan con la correosa “Instrucciones” (sí, la canción de la “tractomula”). He de decir que no me dijo nada, más bien me sobró, al escucharla fuera de contexto, cuando la lanzaron como primer adelanto del disco, pero ahora, al entenderla en su conjunto, adquiere todo el sentido, y aunque su pesadez pueda atragantarse (al igual que sus “bam bam”), entendemos su motivación y la decisión de presentarla como la puerta de acceso a esta fábrica donde la necesidad de reconectar con uno mismo será la clave para volver a sentirnos vivos y dar valor a lo colectivo. Porque podemos sentirnos solos, pero desde ese estado construir algo que nos una. De hecho, la gira que emprenderán por grandes recintos este verano lleva este leitmotiv por bandera: “Cómo construir un recuerdo”, con el que la banda dará continuidad al universo creativo del disco, convirtiendo cada concierto en un recuerdo colectivo. Esa es la intención, pero antes que eso, lo que apremia son estas once canciones que, escucha tras escucha, se quedan grabadas a fuego en nuestro pecho. Y es que no conseguimos separarnos del disco. Su gancho es adictivo.

Tras la lectura de las “instrucciones” pertinentes comenzamos la construcción de este universo que nos lleva al sur entre palmas y una guitarra castiza, con la que Dani Sánchez nos recuerda más que nunca al toque a las seis cuerdas de Hugo Toscano, el que impusiera la personalidad más definitoria de los primeros Elefantes. “El Tesoro” es lo más singular que hemos escuchado del grupo hasta la fecha. Lo más imprevisible. Pero ahí no queda la cosa, porque basta esperar hasta la siguiente canción del lote para dejarnos llevar esta vez por la trompeta fronteriza de Juanito Rubio que transforma “Judas” en un híbrido entre Foals y Los Lobos. Habrá muchos de sus seguidores que no entiendan estos arreglos castizos a la primera, pero tras unas cuantas escuchas pasarán a formar parte de las coordenadas de Arde Bogotá como si siempre hubieran estado ahí. “Antifiesta” parece más familiar, aunque aquí son los coros de Chechu Rodríguez y Tonny Serrano los que redondean su coda. Una canción con dos partes, una primera más contenida y otra con más potencia y garra. Lo que reflejan aquí es una “fiesta que reúna todas sus tristezas”. Pocas alegrías y mucha crudeza (aunque con un punto de humor), pero ya advirtieron en su tema inicial que esto no sería un camino de rosas. Más bien lo contrario.

“A veces me imagino muerto y me ayuda a relajarme, a callar las palabras”. Con estos contundentes versos se inicia el tema más sentido de la colección. “Olivos” es pura poesía, emoción contenida, pegada a la tierra, como los olivos que se aferran a ella en tiempos crudos, secos y solitarios, pero que consiguen resistir desde su raíz. Azotados por el viento y la sequía, pero seguros, fuertes y firmes. Es difícil no derramar alguna lágrima cuando entendemos que ese estribillo está escrito directamente para todos esos corazones solitarios a los que vendrá a abrazar la primavera. Conozco bien la tierra cruda y seca, como la de los olivos solitarios que necesitan ese abrazo, y por eso no puedo evitar sentirme tan conectado a este tema, posiblemente el mejor que haya parido nunca esta banda.

Jota Mercader acelera el ritmo con el pecho roto en “Señor Herrero”, de nuevo con ese deje patrio que nos lleva esta vez hasta el rock andaluz. Dicen que esta fue la canción que hizo arrancar al resto. En ella aparece ese hilo entre la soledad y la idea de que ese herrero construya una máquina que pueda apagar los sentimientos. Tal vez podamos entenderla así, aunque también estará bien disfrutarla simple y llanamente por su afilada contundencia. Cuando pensábamos que con “Hervidero” estábamos ante una versión más reconocible de sus formas, aparecen esos coros funky de Selenia Rodríguez (¡qué calor, uh, uh, qué calor!), contrastando con ese riff tan marcado, que nos dejan K.O. Justo lo que necesitamos antes de una recta final apoteósica encabezada por “Bigger Splash”, donde la dicción de Antonio nos enamora a la vez que nos encoge el corazón. Está más contenido, suena más sedoso, y consigue sacar lo mejor de sí mismo en una apuesta que podría desbancar a “La Salvación” del trono de sus epopeyas épicas.

La canción titular es más plana, quizá más prescindible, con unas atmósferas creadas por Joe Chicarelli y Zac Rae a los teclados que la sostienen. Aporta el concepto, pero se pierde en su medio tiempo sin llegar a explotar, a pesar de contar con una línea de bajo de Pepe Esteban que engancha y las guitarras con más brillo del lote. Pero no hay que preocuparse, para emocionar está “Asidero”. El abismo de los treinta y la necesidad de aferrarse a la vida, ejemplificada en ese “vidrio del bueno” que todos podemos llegar a ser. Asideros de nuestro propio recomienzo o agarre del que tenemos cerca. La comunidad como entidad para hacernos fuertes. Una canción sencillamente perfecta, siendo además la más serena de todas las que el cuarteto ha compuesto. Un hito que hará tatuarse a más de uno eso de “No hay dolor, es pasajero”.

Y para terminar por todo lo alto, una manera de sacudir los males, aquello que pesa, de nuestro yo interno. “Sacude” cuenta con la voz de Celia Jiménez y los coros de José Antonio Chacón, que nos ponen la piel de gallina. Ese contraste sureño con la voz de barítono de Antonio es el mejor colofón a un viaje de la soledad a la aceptación y la redención que hace de este “Manufacturas del Club de la Gente Sola” un manual de autoconocimiento para encontrar en nosotros mismos el reinicio y el principio de la comunión real con el otro, una manera de dejar de sentirnos aislados en este mundo que peca de esa falsa apariencia de conexión, tan dañina en el fondo. Con el deje flamenco de “Sacude” culminan tratando de decirnos que hay algo vivo dentro de todos nosotros aunque nos empeñemos en apagarlo. Tocamos fondo para salir a flote y si “no duele” es porque aprendemos a sacudir aquello que debemos dejar atrás. En la valentía de estas letras está la redención y en el eclecticismo de la paleta sonora que los murcianos presentan en este disco está su manera de decir que están dispuestos a lo que haga falta, que les queda todo un universo por explorar. Han hecho el mejor disco que se podía esperar de ellos sin ser el disco que sus seguidores pensaban oír. Pero es el que necesitaban y el que mejor define su momento, ese que les espera con las puertas bien abiertas hacia lo más alto, mucho más allá de 571-/9A.