Nos quedan Paco Ibáñez y la palabra

A Carmen de la Ossa 

Teatro Real, Madrid. Lunes, 27 de abril del 2026. 

Texto y fotografías: Guillermo García Domingo. 

El pasado lunes 27 de abril actuó en el Teatro Real el cantautor Paco Ibáñez. En este escenario operístico el músico valenciano y su guitarra se desenvolvieron con la familiaridad con la que uno habita su propia casa. El cuadrilátero rojo sobre el que actuó parecía la alfombra de su domicilio. Es la consecuencia de la actitud desenfadada y modesta del veteranísimo Ibáñez (1934) y la acogida fervorosa que el público le brindó, que le conoce y le espera como si se tratara de alguien muy querido de la familia que regresa al hogar después de mucho tiempo. Y es que él es mucho más que el más provecto de los trovadores de nuestro país, se trata de una personalidad social y política que ha acompañado a los “españolitos” en los momentos más cruciales de nuestra historia reciente. Pocos españoles “han hablado de su tierra”, como lo ha hecho Paco Ibáñez, y volvió a hacerlo con algo menos de aliento, pero con la misma fe laica que profesa por ella, entonando el poema de Cernuda. Ibáñez no ha abandonado su coraje político ni ha dejado de luchar contra “los (nuevos) caínes sempiternos” que acaudillan el odio de siempre. En nuestras sociedades ha llegado el momento de rescatar el orgullo revolucionario del Che, por este motivo interpretó “Soldado boliviano”, ahora que el siniestro señor “zanahorio”, como proclamaron desde el escenario pretende conquistar el mundo. El respetable, al término de esta canción, aclamó al pueblo palestino, que resiste contra todos, y ante la indiferencia de la mayoría. 

La naturalidad con que asume sus inevitables achaques, sus encantadores distracciones y olvidos, no hacen sino humanizar más si cabe a un ser humano, que, ya de por sí, atesora un legado existencial y musical realmente extraordinario, del que en la velada del lunes solamente ofreció una parte muy pequeña, y sin embargo, suficiente para emocionarnos, renovar nuestra pasión política y el amor por nuestro trágico país. Antes de dar comienzo el concierto, en la pantalla al fondo del escenario, pudimos ver un mosaico con los retratos de los mejores poetas de la literatura española (que no sólo escribían en castellano, por supuesto) y en el centro se podían leer las palabras eternas de Blas de Otero: “Nos queda la palabra”. Era algo muy revelador, teniendo en cuenta que la completa trayectoria de Ibáñez ha consistido en el propósito prometeico de musicalizar las palabras más bellas compuestas en los idiomas de nuestro territorio simbólico.

Cuando este redactor no había nacido todavía (lo hice en 1975), Paco Ibañez ya gozaba de un éxito considerable, llenaba el Olympia de París. Nunca se le ha subido el éxito a la cabeza, mi acompañante y amigo José Manuel me comentó que había presenciado un recital suyo ante una multitud en el Pozo del Tío Raimundo, en Madrid. Paco Ibáñez es y será cantor del pueblo, al igual que Miguel Hernández, de quien interpretó “Andaluces de Jaén”, en uno de los momentos más importantes del concierto. O debería decir interpretamos, porque el público sostuvo, y aupó, al bueno de Ibáñez, queriendo ignorar que él permanecía sentado por obligación, al contrario de lo que siempre ha hecho. En el escenario contó en todo momento con el imprescindible apoyo del gran Mario Mas, quien puso sus brazos, sus manos y su memoria musical al servicio del valenciano. No fue un detalle menor del concierto el amor y el respeto que el guitarrista demostró por su maestro. No fue el único que arropó a Paco Ibáñez, también lo hizo Joxan Goikoetxea y su acordeón, así lo requirieron los dos temas en euskara, uno de ellos fue “Txoria Txori”, hermosísima elegía a un pájaro y sus alas irrenunciables, e incluso vimos pasar a la vaca del caserío vasco en el que vivió Ibáñez con su familia materna. Antes que él, subió al escenario Soleá Morente que adoptó con su excelsa voz: “Nana de la mora” y “Quisiera esta tarde divina” (de otra mujer Alfonsina Storni); ambas nos sobrecogieron. Pep Pascual arregló con sus modestos instrumentos, “Yo vuelvo por mis alas” de Lorca, y de veras que escuchamos el agua bajar por los arroyuelos de Granada. Hizo lo propio con la canción de cuna dedicada a Julia de José Agustín Goytisolo. Los etéreos sonidos concitados por Pascual nos hicieron “soñar”. En el repaso deliberado por todas las lenguas que se hablan en nuestro país, quedaba por escuchar la galega “Que ocorre na terra?” de Antonio García Teijeiro.

Antes de que empezara el concierto un grupo de asistentes entonó “A galopar”, y el concierto concluyó de la misma manera, fundiéndose el público, Rafael Alberti y Paco Ibáñez en una sola voz. La compuso el poeta de El Puerto de Santa María en 1938 durante la guerra civil, que ganaron los que se sublevaron. Su líder, Franco, durante el concierto Ibáñez se refirió a él como “la bestia”, solía asomarse a la Plaza de Oriente donde se encuentra el Teatro Real a arengar a sus partidarios. Pero el lunes, en el mismo lugar, fue el poeta el que acalló a “la bestia” con sus canciones. Ya los “enterramos en el mar”, gracias al sacrificio de tantísimos luchadores por la libertad, y lo volveremos a hacer si ellos se empeñan en regresar al pasado.

Hace unos años, otro inolvidable cantautor, Luis Pastor, se preguntaba retóricamente, y con mucha sorna, “¿Qué fue de los cantautores? Preguntan con aire extraño cada cuatro o cinco años despistados periodistas/ Que nos perdieron la pista y enterraron nuestra voz ”, Pues aquí están los cantautores, con Paco Ibañez a la cabeza, digno y libre, pese a la edad que ostenta. “¿Qué fue de los cantautores? ¿De los muchos que empezamos? ¿de los pocos que quedamos?/¿De los que aún resistimos? ¿de los que no claudicamos?/ Aquí seguimos, cada uno en su trinchera/ Haciendo de la poesía nuestro pan de cada día…

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Deniz Tek: "The Beat"

Por: Txema Mañeru. 

No cabe ya ninguna duda de que el australiano Deniz Tek es el buque insignia internacional del estupendo sello italiano Wild Honey Records. No he sacado cuentas exactas, pero los italianos The Peawees, muy queridos aquí, también tienen un buen puñado de vinilos recomendables en el sello. Pero creo que el ex guitarrista de los legendarios Radio Birdman tiene todos sus últimos y recomendables LPs bajo esta marca y a eso hay que añadir una colección de recuperación de archivos cuya última y recomendable recuperación es el doble LP “Collection Vol. 3: Outside”, que incluye temazos como el acelerado, urgente y guitarrero arranque con "Blood Form A Stone", la estupenda toma acústica de "Searching", "Day To Ride" o la impactante "Condition Black". Otra gozada es la versión instrumental de "Rough Slide Drag" con sus espectaculares punteos, pero también con un órgano ácido que es una jodida maravilla. Este y otros discos de Deniz y de Wild Honey Records, los puedes conseguir también en www.folcrecords.es que son sello amigo y más que recomendable.0 Dentro de su incesante trayectoria de los últimos años, su último disco “oficial” fue el más que destacado “Long Before Day” (Wild Honey Records). Un disco más que disfrutable con ecos a sus Radio Birdman, pero también a los Rolling Stones más blues, The Stooges, Velvet Underground o el blues de Howlin’ Wolf o Son House. Lo presentaron en la Kutxa Beltza del Kafe Antzokia y fue una velada espectacular que ojalá repitan pronto con las canciones de su nuevo disco y con algunos clásicos de sus Radio Birdman. También pueden repetir su fantástica recreación del "Oh, Well", de los Fleetwood Mac de Peter Green, que por cierto viene en los bonus tracks de la edición digital de este “The Beat”.

Un disco que supone un sentido homenaje a su batería de muchos años, Ric Parnell (Atomic Rooster, Wayne Kramer, The Deviants, Spinal Tap), que, desgraciadamente, ya no está entre nosotros. Eso sí, junto a Deniz continúa su bajista de siempre, Bob Brown , y le sigue acompañando en las guitarras su compañera, Anne Tek. Se conocieron en 2010 por mediación de su productor entonces, Ron Sanchez, que fue quién los presentó. Desde entonces se convirtieron en inseparables y grabaron recomendables discos como “Detroit”, “Mean Old Twister” y “Lost For Words”. Murió en 2022, pero Deniz ha considerado que le debía un disco como este “The Beat” (Wild Honey Records).

Ric no era mucho de ensayar y cuando Deniz le mostraba alguna canción, enseguida cogía el punto y la llevaba a su terreno para sorpresa del propio Deniz. El caso es que durante la grabación del “Mean Old Twister” en 2015, ambos se marcaron algunas jams que grabaron y Ron Sanchez se las envió a Deniz. No las había escuchado en una década y fueron una absoluta y agradable sorpresa para él. Entonces decidió meter esos temas en un nuevo disco (este “The Beat”), manteniendo sus guitarras y las baterías de Ric y, al mismo tiempo, escribiendo y arreglando algunas nuevas canciones para las baterías guardadas de Ric. Algo completamente nuevo para él y su manera de componer. Ha mantenido guitarras rítmicas, pero la mayor parte de las guitarras y sus partes vocales son nuevas. Por supuesto, Bob Brown y Anne se sumaron al invento y crearon este buen disco al revés de cómo siempre los había hecho Deniz. Como es habitual en el sello el vinilo viene con una cuidada y gorda funda interior con guapas fotografías y con los textos y la especial dedicatoria para Ric, de un emocionado Deniz que está seguro de que le habría excitado y hecho realmente feliz.

El trabajo comienza de manera formidable con una emotiva "Going Home" y la gran guitarra de Deniz sobre ese ritmo creado por Ric y Bob que es puro Radio Birdman, en sus buenos tiempos. Tenemos aquí también los primeros y destacados punteos de Denik. Continúan con una agresiva "War Is Over" con destacados riffs, más destacados punteos y una buena melodía vocal. La melódica y reposada "Shot Of Truth" es una gozada que nos recuerda a unos Radio Birdman a cámara lenta. Cierra la cara A una excitante "Kua Bay" con aires surf en las guitarras y hasta con toques hawaianos a lo Elvis Presley. Genial instrumental en el que Deniz demuestra su finura y versatilidad con las 6 cuerdas.

La cara B arranca también de manera brillante y potente con "Here And Gone" y una abrasadora armónica y buenos destellos con la slide. Tiene hasta algún aire al "Peter Gunn" de Henry Mancini, pero vía Emerson, Lake & Palmer. "Girl On Ice" es una sorpresa más que caliente con esa voz suya casi narrando al estilo del mejor Lou Reed, combinada con momentos de improvisación entre su guitarra y esa muy presente sección de ritmo, sobre todo con la batería de Ric. "Forgiveness" vuelve a arañar con unas guitarras muy destacadas y variadas a lo largo del tema. Magia pura encontramos en la breve "Magic", con acústicas, armónica y aires entre country y folk justo antes de acabar, ¡cómo no!, con otra breve, pero estupenda "The Beat". Puro ritmo en la batería y potentes guitarras en un espectacular lento de nuevo con aromas Lou Reed. Si tiene más jams guardadas de ambos con este nivel no dudaría que volviera a entregarnos algún otro disco hecho “al revés”. ¡Ojalá que venga a presentárnoslo aquí y que repita en la batería el gran Keith Streng (The Fleshtones, The Split Squad), ahora que Ric ya no le podrá acompañar nunca más!

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Kokoshca: “Hemos buscado el tesoro escondido en alguna de nuestras canciones”

Por: Javier González. 

Kokoshca son un “Divino Tesoro” dentro de nuestro panorama musical. A estas alturas de la película ha quedado claro, llevan casi veinte años a su bola, moviéndose sin ataduras entre la amplias etiquetas que van del rock más cavernario al pop de guitarras limpias, haciendo paradas en estilos como el krautrock y el lo-fi, siempre sonando efectivos y autosuficientes, jugando a contracorriente como vuelven a demostrar en su última referencia, donde lejos de caer en tópicos manidos como elaborar un “grandes éxitos” o un disco de “colaboraciones”, toman distancia y se lanzan a la aventura de regrabar algunas de las mejores canciones que contienen sus primeras referencias, aquellas que grabaron con menos medios técnicos, dotándolas de nuevas sonoridades, estructuras y letras para que vuelvan a disfrutar de una segunda vida. 

Lo presentan otra vez bajo el paraguas de su disquera, Sonido Muchacho, en una cuidada y elegante edición en vinilo doble capaz de poner los dientes largos a cualquier buen aficionado que se precie. Sorprendidos por la valentía con que llevan a cabo este nuevo salto al vacío, nos ponemos en contacto con la banda, personificados en Amaia Tirapu, guitarra y vocalista del combo pamplonés, quien nos sorprende por su cercanía, franqueza y un humor de lo más contagioso, capaz de brindarnos un entrevistón en toda regla con el que no nos queda más remedio que decirte a ti, amigo desconocido, que te vengas con nosotros, sé uno más. “Únete a Kokoshca porque brilla más que el oro este Divino Tesoro”. 

Han tenido que pasar casi veinte años desde vuestras primeras grabaciones para que podamos tener entre nuestras manos este “Divino Tesoro”, un trabajo donde recopiláis algunas de vuestras canciones con motivo del Record Store Day. ¿En qué momento surge la posibilidad de dar vida a un trabajo de esta índole? 

Amaia: Desde hace tiempo pensábamos que había canciones del principio que sonaban muy mal, ya que estaban grabadas en casa con pocos medios y siempre existían conversaciones en torno a ellas. Al acabar la gira de “La Juventud” hablamos con Sonido Muchacho, quienes nos comentaron que quizás era pronto para ponernos a componer un disco nuevo y grabarlo. Plantearon que quizás sería bueno darnos un poco de reposo para pensar en un trabajo con material fresco. Nos comentaron la posibilidad de sacar un “greatest hits”, pero no lo veíamos. Entre Sonido Muchacho y nosotros pensamos en regrabar esas canciones que sonaban mal, algo así como buscar el tesoro escondido de las canciones de Kokoshca en una edición bonita piensa. Al final es un trabajo que ha salido con una edición Deluxe donde todo ha quedado muy chulo. Era un momento ideal para sacar este recopilatorio. 

“Queríamos mejorar el sonido, estructuras y letras de algunas canciones” 

Es palpable que se ha procedido a llevar a cabo una regrabación de muchas canciones, que en su momento, en algunos casos, tenían un encanto cierto encanto underground y naif. ¿Había una espina clavada en la banda al escucharlas en su antiguo estado? 

Amaia: Es inevitable que al gustarte una canción y escucharla de una determinada manera la relacionas con momentos vividos y experiencias. Siempre estará la duda sobre la nueva versión, que nunca te parecerá la otra, pero en nuestro caso las vemos mejor. Quizás tenemos una visión del asunto menos de oyente y más cercana a la figura del creador. Estaba claro que había que mejorar el sonido, estructuras y letras, que es lo que hemos hecho. Quizás se pierde la inocencia del principio, pero piensa que tampoco somos los mismos que las grabamos. Ojalá desde el minuto uno hubiéramos podido tener acceso a un estudio para que todas las canciones sonasen bien y poder ser escogidas para una película. Hicimos lo que pudimos con lo que teníamos a mano, pero sentíamos que se podían mejorar. Ahora las hemos podido sacar guay. 

¿Cuál ha sido el proceso de selección de las canciones que habéis incluido finalmente? 

Amaia: Lo que más costó fue elegir. Contando canciones tenemos casi 130. Hicimos reuniones con Sonido Muchacho y nos aconsejaron sobre cómo desarrollar el proceso. Hicimos listas con las elegidas para ver cuáles se repetían. Teníamos algunas claras: “La Fuerza”, “No Volveré” y “Mi Chica”, básicamente, varias de las que más se repetían. Una vez que estaban decididas, había que pensar qué se hacía en cada canción. Unas tenían bien la estructura, pero otras no. Otras pedían ampliar letras, como en el caso de “Los Domingos”, donde hemos metido mi parte. Algunas pedían arreglos nuevos. Composiciones como “Nena” necesitaban una vuelta entera. Hubo muchas reuniones, conversaciones, listas y ensayos para poder llegar al estudio con todo pensado. Ha sido un trabajo totalmente diferente, muy interesante. Creo que el proceso ha estado muy bien. 

Sí, porque al final habéis hecho algo que era común en bandas como Kraftwerk, a quienes no les temblaba el pulso a la hora de llevar a cabo nuevas versiones de sus grandes temas, algo poco común en nuestro país, donde el formato suele ser más conservador con grandes éxitos al uso. 

Amaia: Sí, llevas razón. Quizás en España es algo que no se estila. Ahora mismo está de moda que otros grupos versionen tus canciones, hacer un recopilatorio tocando los temas de otra banda, pero no queríamos hacer algo así. 

Hay canciones de “Únete a Kokoshca”, “Hay una luz” y de “Gernika”, y también de Ep´s como “La Fuerza”, no así de vuestros últimos discos, la respuesta parece clara, pero formularé la pregunta. ¿Por qué precisamente de esos cuatro trabajos y no de los últimos? 

Amaia: Básicamente a que los últimos discos están grabados bien. Están grabados en estudio y nos encantan. No tenía mucho sentido. Hemos contado con Raúl Pérez y Kaki Arkarazo como productores. De ahí surge la decisión. 

También me ha llamado la atención la inclusión y revisión de uno de vuestros himnos, una de las canciones más celebradas por el público en los conciertos y, por qué no decirlo, uno de esos temas que no solo conoce vuestro público como es “No Volveré”. ¿A qué se ha debido? 

Amaia: Nos pasaba que después de tocarla tantas veces en directo y tan rápido, al oírla en el disco parecía que era muy lenta en la versión original de “Hay una Luz”. Creíamos que había que acercarla a la forma en que las tocamos en nuestros conciertos. No la hemos variado mucho realmente. Y luego hay otra cuestión, el vinilo de “Hay una Luz” está agotadísimo, por lo que hay mucha gente que no la podía tener en formato físico. Nos parecía que era una buena forma de que el público pueda tenerla. 

Vamos a hacer la pregunta incómoda. ¿Cuál sería tu top tres de temas favoritos de “Divino Tesoro”? 

Amaia: Me encanta cómo ha quedado “Los Domingos”, una canción que siempre me ha gustado mucho, por otra parte. Ahora al añadir una parte se completa más y adquiere un toque misterioso. Además, nos encanta lo de hacer chico/chica para que las historias parezcan una telenovela. También me gusta “El Bosque”, tiene ese lado oscuro de Kokoshca, añadiendo un arreglo de batería plagiado de Can que me fascina. Y la tercera… no sé… “Prefiero Golpes”, ha quedado muy cruda, macarrilla. Es difícil. En tres meses te diría otra composiciones totalmente distintas. 

“La Fuerza” os ha quedado muy Franco Battiato. 

Amaia: ¿Sabes qué pasa? Igual esto no se puede decir, pero la tenemos un poco de manía. La hemos tocado todo tanto. Es una canción a la que realmente tenemos mucho cariño. Además, la ha vuelto a cantar Javi, batería original de Kokoshca, que luego lo dejó y era su cantante original. Ya me cansa esa canción. (Risas) 

Antes hablabas de pasada de la cuidada edición que os habéis marcado de este “Divino Tesoro” junto a Sonido Muchacho. 

Amaia: Al tomar la decisión fue de forma conjunta, había que hacer una edición chula, ya que los anteriores vinilos eran una edición normal. Aquí hemos apostado por una edición doble con carpeta dura y plateada por fuera. El diseño es cosa de Lucas Malcorra. Por dentro está muy chulo, tiene mil detalles, hay diamantes, todo pensando para que el comprador piense que tanto el disco como nosotros somos un tesoro. (Risas)

La banda ha tenido varias formaciones, salidas y entradas, hasta dar con la actual, la más histórica, donde estáis Iñaki, Álex, Iñigo y tú. Se qué es complicado, pero ahora que te tengo delante. ¿Cuáles serían las distintas etapas que habéis pasado a tu juicio? ¿Qué las definiría? 

Amaia: Diría que el inicio lo representamos Iñaki y yo. Empezamos a ensayar, nos intercambiamos instrumentos, todo muy precario y comienzan a salir conciertos, uno de ellos en Madrid, por lo que necesitamos un batería. Se une Javi, nos convertimos en trio, todo sigue siendo muy precario, pero conseguimos seguir adelante durante cuatro años, con mucha ilusión, viajando a veces en autobús, siendo unos críos que no teníamos ni idea de nada, pero nos divertíamos. 

Perfecto, vamos con la siguiente etapa. 

Amaia: La segunda etapa empieza cuando Javi deja la banda para irse a trabajar a Londres. ¿Qué hacemos? Buscamos otro batería y aparece Álex. Empezamos a pensar que hace falta darle más contundencia al sonido y buscamos un bajista, Íñigo, al que conocíamos de otros grupos de Pamplona. Nos dice que sí. Nos entendemos muy bien musicalmente. Es una etapa de transición, donde nos vamos conociendo que a mí se me hizo complicada, necesitaba coger confianza para los ensayos y componer. Me costaba soltarme e improvisar. Con Javi e Iñaki me soltaba, pero con ellos no. No sé cuánto dura esta etapa, tres o cuatro años, ya que Álex no sabía si se iba a quedar. Su entrada coincide con nuestro fichaje por parte de Sonido Muchacho. 

Sospecho que viene la última. 

Amaia: A partir de ahí empezaría la última etapa, sí. Nos profesionalizamos, notamos una subida paulatina en cuanto repercusión, vamos teniendo mejores condiciones y tocando mejor. Hubo un salto con el disco “Kokoshca”, grabado en La Mina, donde conectamos personalmente y musicalmente con el productor. Un disco que fue un salto, nos encantó, creemos que es un trabajo mejor. Esta sería la última etapa hasta ahora. Ese sería mi resumen. 

“Nuestro estilo es no tener estilo” 

Cuando uno monta una banda tan heterodoxa y alejada de cualquier pretensión comercial como la vuestra, ¿se llega a pensar en que veinte años después puede seguir existiendo gozando de la salud que goza el proyecto? 

Amaia: La verdad es que no. Si ahora a aquellos chavales de veinte años que empezaban a tocar nos dijeran que estaríamos aquí, hubiéramos dicho que no. Nos hubiera encantado, pero vivíamos los momentos exprimiéndolos. A nivel personal, tener un grupo es guay, pero es cansado. Es una familia a la que a veces quieres matar. Hay momentos en que el grupo pesa. Nunca ha habido una conversación para hablar de acabar, pero sí momentos en que he notado que estábamos cansados. Nos hemos mantenido haciendo lo que decías: música de estilos variados sin pretensión comercial. Es lo que nos sale. Nuestro estilo es no tener estilo. 

“España es un país donde quien persiste tiene premio” 

La vuestra es una historia de empeño, furgoneta, picar piedra y buscar vuestro propio público. 

Amaia: Sí, además España es un país donde quien persiste tiene premio. Es duro. Nosotros ahora notamos que el trabajo ha dado sus frutos. Vamos a sitios donde crees que nadie te conoce y hay gente que canta tus canciones. 

En 2027 Kokoshca llevará veinte años en activo. ¿Habéis preparado algún tipo de gira especial para conmemorar la efeméride, por ejemplo, en Pamplona?

Amaia: No lo hemos pensado, la verdad. En Pamplona no sé si lo haríamos. Tenemos muchos amigos, pero no es un lugar que nos acoja tan fuerte como otras ciudades. Nadie es profeta en su tierra. Si hiciéramos eso, lo haríamos en Madrid o Donosti, que nos han acogido muy bien siempre. Algo habría que hacer. Veinte años, da miedo y todo. ¡Qué viejos! 

Un trabajo de esta índole tiene de forma evidente una mirada atrás que se proyecta hacia el futuro. ¿Cuál es el siguiente paso de Kokoshca? 

Amaia: Vamos a intentar vivir muchas cosas para que nos salgan buenas canciones. Haremos unos conciertos presentando “Divino Tesoro”, además de otras composiciones más antiguas que también rescataremos. Tenemos ya confirmada una actuación en Donosti, concretamente en “Jazzaldia”, donde tocaremos la playa. Es algo que nos hace mucha ilusión porque es un festival al que llevamos yendo desde que éramos críos. Tocaremos en Madrid el 11 de junio en el marco de “Sound Isidro”, organizado por Alan Queipo y Javi Ferrara. Ya hay ideas de canciones nuevas saliendo, así que estamos en esa onda. Cuando grabas un disco tienes que llenarte de ideas para hacer otro. 

¿Qué dicen el aita y la ama de que su hija lleve casi veinte años como vocalista y guitarrista de una banda de música? 

Amaia: A mis padres les mando el disco, pero no tienen tocadiscos, así que nunca sé si lo escuchan entero (risas). Les hace mucha ilusión cuando me ven en el periódico, en el “Diario de Navarra”. O cuando se encuentran con un amigo y les cuenta que su hijo es fan, ahí dicen: “fíjate”. Siempre te ven como el titiritero. En las comidas familiares te ves esquivando la pregunta de los tíos: “¿Qué haces ahora?” (Risas). Realmente siempre me han apoyado, no puedo decir otra cosa, aunque supongo que no es lo que más les gusta, les gustaría más que fuese abogada. 

“Del underground también se sobrevive” 

¿A día de hoy Kokoshca os permite vivir exclusivamente de la música? 

Amaia: Iñaki y yo durante mucho tiempo, sí vivimos de la banda. Ahora lo compaginamos con otras labores musicales porque tenemos otras responsabilidades familiares que generan más gastos. Si eres una persona austera, se puede vivir de la música. Del underground también se sobrevive. (Muchas risas) 

Por mi parte es todo, Amaia. Espero no haberte hecho preguntas comunes y tópicas, soy consciente de que las semanas de promo son pesadas. Me ha encantado la entrevista. Eres muy divertida. 

Amaia: Ha estado guay. Estás un día entero haciendo lo mismo, así que cambiar nunca viene mal.

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Callum Beattie: "La vida es complicada y la música ayuda a transitarla"

Por: Javier Capapé y Àlex Guimerà.

Admitimos que no estábamos familiarizados con el trabajo de Callum Beattie hasta escuchar su recién estrenado y tercer trabajo "INDI". Un disco que seguro que muchos de nuestros lectores desconocerán pero que os pedimos que no os lo perdáis. Se trata de un gran hallazgo, como sus dos trabajos anteriores, ya que el escocés tiene pinta que va a subir muchos enteros en el futuro. Lo tiene todo: juventud, presencia, vozarrón, carisma y sobre todo grandes canciones que nunca ha dejado de componer. Así que, haceros un favor y poneros su música porqué os va a entusiasmar. Además lo tenemos por nuestras salas este próximo mes de mayo, pero incluso antes le podremos ver desde la cercanía en un paso anticipado por diversas tiendas de discos (27 de abril en Barcelona en Ultra Local Records, el 28 en Madrid en Escridiscos, el 30 en Valencia en Olides y el 2 de mayo en Granada en Bora Bora).

Fechas de la gira: 

2 Mayo - Granada (Lemon Rock) 

3 Mayo - Benidorm (Dominic’ s Bar) 

5 Mayo - Valencia (Loco Club) 

6 Mayo - Madrid (Sala El Sol) 

7 Mayo - Zaragoza (Rock & Blues Café) 

8 Mayo - Barcelona (El Molino) 

Para empezar, ¿qué puedes contarnos sobre tu nuevo álbum, "INDI"? 

Callum Beattie: Bueno, es el primer álbum que grabo de forma independiente. Soy el dueño del disco, lo cual era muy importante, porque antes había hecho muchos discos con Universal Records, que son gigantes. Pero ellos elegían demasiado qué canciones tocar y cómo debía sonar todo. Básicamente, yo era el creador, pero tenía todos estos obstáculos en el camino. Así que esta vez tuve plena libertad creativa, lo cual fue brillante. En cuanto a las letras, fui un poco más ambicioso y bastante directo (incluso algo rudo) con algunas frases. Pero sí, básicamente fue un álbum muy honesto y uno que disfruté mucho haciendo. 

Escuchando Indie en términos musicales, podemos oír ecos de artistas como Bruce Springsteen o U2, incluso de The National en la batería. ¿Son influencias reales en este disco? 

Callum Beattie: Sí, yo diría que sí. Siempre me han gustado bandas como U2, Springsteen, incluso cosas más suaves como Elton John. Simplemente buenas canciones, pero que se sientan épicas, como himnos (anthemic). Cuando escribo canciones y empiezo a grabarlas, siempre me imagino tocándolas en un pabellón o en un estadio. Si puedo imaginarlo en mi cabeza, normalmente pienso que es una buena canción. 

Exactamente. Justo esa era la siguiente pregunta. Notamos que el álbum tiene un sonido muy "caro" y nos suena como si estuviera hecho para estadios. ¿Fue tu intención inicial o una simple coincidencia? 

Callum Beattie: Absolutamente, esa era mi intención. Me encanta la música que me hace moverme y que tiene mucha energía. Eso es muy importante y por eso utilizo principalmente instrumentos reales. Todas las baterías del disco son reales, grabadas con una banda en una sala, y eso realmente ayuda a aportar energía al disco.

Creo que es algo que hoy en día hace mucha falta. Dependemos tanto de la tecnología que a veces el espíritu de un disco se pierde un poco. A veces, cuando escuchas la radio, todas las producciones suenan igual, y creo que es porque están muy computarizadas. Quizás soy un anticuado, pero quería usar guitarras, bajo y batería de verdad; creo que eso es lo que le da ese sonido de himno. 

El álbum tiene canciones increíbles como "Pins and Needles", "Two Pretenders" y la última, "Always Raining in Glasgow". ¿Cuál es tu canción más especial del álbum? 

Callum Beattie: Bueno, "It Always Rains in Glasgow" es muy especial para mí. Por eso la puse al final del disco. Yo soy originario de Edimburgo, en Escocia. Pero a lo largo de mi carrera, durante unos 12 años, viví en España, Londres, Budapest... en cualquier lugar donde pudiera intentar que mi carrera despegara. Cuando volví a Glasgow, aunque mi carrera empezó a ir bien, no conocía a nadie. Fue una época de mucha soledad.

La razón por la que también amo esa canción es porque la escribí muy rápido. Estaba lavando los platos, empecé a cantar el estribillo, fui al piano y en 20 minutos estaba lista. La última canción del álbum es, de hecho, una grabación en vivo. Mi amigo tocó el piano en la misma sala que yo. Teníamos un par de micrófonos en el piano, la cantamos tres veces y elegimos la mejor toma. Podría haber sido una canción tipo Adele, donde afinas todas las voces y haces que suene muy nítido y producido, pero creo que suena más auténtico, más Springsteen, más Jeff Buckley con esa grabación en directo. Y es más valiente también. 

Pues te quedó fantástico. Si volvemos a tu álbum debut, "People Like Us", era un disco con una identidad de clase trabajadora muy fuerte. ¿Cómo desarrollaste esa conciencia social? 

Callum Beattie: Oh, esa es una pregunta muy bonita. Normalmente los periodistas en Escocia van directos al grano sobre mi crianza. Mi padre me crió solo y lo hizo lo mejor que pudo; fueron tiempos felices y maravillosos, pero también hubo muchas dificultades. Creo que eso me preparó bien como compositor. Tenía una historia que contar desde muy joven; empecé a escribir a los 13 o 14 años. Básicamente, después de la escuela, yo hacía la cena, mi padre llegaba de trabajar bastante tarde y nos sentábamos a escuchar discos increíbles de artistas de todo el mundo. Me obsesioné con la música. Era nuestra vía de escape. Supongo que si no hubiera tenido esa crianza, tal vez no sería escritor. ¿Quién sabe?

Has sido crítico con figuras como Boris Johnson. ¿Crees que los artistas tienen una responsabilidad política? 

Callum Beattie: Sí, lo creo. Lo de Boris Johnson es curioso porque yo no tenía muchos problemas con la política cuando escribí aquello; era muy joven, tenía unos 21 años, y era solo una canción de broma. Estaba sentado en un jardín de verano y pensé en inventar esa canción porque era algo muy identificable en ese momento. Se volvió viral. Millones de personas la vieron y, de repente, todo el mundo pensó que yo tenía una motivación política.

Me invitaron a manifestaciones pro-Europa y muchas otras cosas. Fui porque necesitaba una base de fans, pero la verdad es que no sabía nada del tema. Ahora que soy mayor, veo las noticias y es difícil no tener una opinión, pero es importante tener responsabilidad. El mundo puede cambiar muy rápido. Hay un activismo real en Europa ahora mismo y es bastante peligroso, especialmente en el Reino Unido. Como no conocemos todos los hechos, hay que tener cuidado. No me gustan las bandas que se abanderan con la política cuando no están bien informadas, como hice yo antes. Eso podría hacerme parecer un hipócrita, pero como joven, creo que fue un error. 

¿Y crees que la música puede ser una herramienta real para el cambio? 

Callum Beattie: Puede serlo si eres John Lennon y escribes canciones como "Imagine". Para mí, la música es más un elemento sanador. Es para que la gente supere la vida sin preocuparse por cosas como la política; más bien por su propia salud mental, cómo cuidarse y sanar de traumas y de la vida en general. La vida es complicada y la música ayuda a transitarla.

Recibí un correo hace unas semanas sobre una canción que escribí para la salud mental llamada "Something in My Eye". Un señor escribió a la radio y ellos me lo enviaron; decía que había planeado quitarse la vida. Tenía hijos, esposa... y la canción sonó en el coche. Dijo que le conmovió tanto que detuvo el coche, se sentó a replanteárselo todo y le dio fuerzas para seguir y buscar ayuda. Me pareció muy poderoso, porque cuando escribes, aunque tengas esas cosas en mente, tu enfoque principal es escribir para ti mismo. Tener ese efecto en los demás es muy potente. 

¿Estas letras que exploran emociones personales vienen de tus propias experiencias? 

Callum Beattie: Sí, definitivamente. He tenido muchos traumas en la vida, como mucha gente, y la música es mi forma de hacerlo más fácil. Es casi como si pudieras contarle a la gente todas tus preocupaciones, miedos y ansiedades, pero sin tener que sentarte frente a ellos y decírselo a la cara. Simplemente lo pones en una canción y dejas que flote en el universo. Es el tipo de terapia perfecta, la verdad. 

En el año 2023 lanzaste tu segundo álbum, "Vandals", que llegó al número uno en Escocia. ¿Cómo fue tu experiencia con ese éxito? 

Callum Beattie: Fue fantástico porque fue contra todo pronóstico. Estaba con Universal Records en ese momento y ellos me daban un guion de cómo debía sonar el álbum y elegían las canciones. Yo había escrito muchas canciones para otros artistas y las que me quedaba para mí no les gustaban. Básicamente, hicimos algo que probablemente iba contra las reglas. Mi mánager me preguntó: "¿Qué álbum te gustaría hacer?". Y yo dije: "Uno de indie, guitarras, estilo Springsteen, algo punk". Él dijo: "Vale, eso es lo que vamos a hacer. Vamos a convertir estas canciones en canciones indie". Me advirtió que el sello nos odiaría, pero lo hicimos. El sello pagó el álbum pensando que recibirían un disco pop, con baterías programadas y todo eso. Cuando se lo entregamos, estaban furiosos. Pero fue un paso más para ser mi propio artista y recuperar mi poder. Por eso en la portada del álbum sale un niño haciendo un gesto de rebeldía. Había una razón detrás que nadie sabía. 

Empezaste tocando en locales pequeños en Escocia. ¿Qué lecciones aprendiste de esa época? 

Callum Beattie: Fue una gran educación. Toqué en bares durante unos 10 años, desde que era adolescente. Es como un aprendizaje de oficio. Aprendes a manejar al público, a hablarles... y eso cambió mi voz. Mi voz es muy diferente ahora; sobre todo porque ahora se me permite cantar como siempre he querido. Te da esa fuerza y te enseña a no entrar en pánico en el escenario. A veces tocas ante miles de personas y no siempre sabes qué sienten, especialmente si no conocen tu música, así que tienes que aprender a mantener la calma y seguir adelante. 

¿Los músicos con los que trabajas en el estudio son los mismos que veremos en tu gira europea y española? 

Callum Beattie: Los mismos músicos, exactamente. En Escocia tocamos ante miles de personas y estoy muy agradecido por ello, pero estamos intentando hacer lo mismo en otros países. España es uno de mis favoritos de Europa. ¿Por qué no querrías hacer una gira por España? Es perfecto. Queremos construir una base de fans allí, aunque los locales serán muy pequeños en esta etapa. Llevaremos a la banda, pero será algo más reducido. Normalmente llevamos coristas y un trompetista para los conciertos en estadios o en el Castillo de Edimburgo, pero esta vez será solo la banda básica. 

¿Cómo logras trasladar la riqueza de tu primer álbum, que tenía arreglos orquestales, al directo?

Callum Beattie: Bueno, para empezar, grabar una orquesta cuesta mucho dinero. Tengo un amigo en Nashville cuyo padre grabó a los artistas más grandes del mundo. El dinero no es algo que necesite, y resulta que soy su amigo. Así que cada vez que hay una sesión para, por ejemplo, Taylor Swift, él les pide que se queden un rato más y, por un par de cientos de libras extra, graban una de mis canciones. Soy muy afortunado. Sin embargo, en directo tenemos que usar pistas grabadas. Tenemos una violinista en la banda que tiene un pedal con el que hace que parezca que hay más gente tocando. Es la única forma; si no, tendría que llevarme una orquesta de gira y no es viable. 

Ahora estás llevando tu música a nuevos países. ¿Cómo cambia la experiencia cuando tocas para un público que te descubre por primera vez, como en España?

Callum Beattie: ¿Cómo cambia mi enfoque, quieres decir? En nada, en realidad. Tendré que hablar más despacio en el escenario y con claridad por si mi acento escocés es difícil de entender, pero nada cambia. Es el mismo espectáculo, solo que en otro país. He aprendido algunas palabras en español, así que traduciré algunas canciones y ya veré qué tal suenan. Ustedes decidirán. 

Creemos que tu música puede tener un gran éxito en el futuro y que tocarás en grandes pabellones y estadios. ¿Estás preparado para ese gran éxito? 

Callum Beattie: Bueno, me he estado preparando toda la vida para ello. Ya ha pasado en Escocia, lo cual es maravilloso. Pero hay que ver qué tiene Dios planeado para mí. Tengo mis ambiciones y creo que sucederán cuando tengan que suceder. Cuando miro atrás, las cosas que me decepcionaron en su momento resultaron ser algo bueno; doy gracias de que no pasaran porque, de haber sido así, no habrían surgido otras oportunidades. Creo que hay un plan espiritual superior. Hay un dicho escocés: "Lo que es para ti, no te pasará de largo". Si es para mí, perfecto. Y si no, habrá una buena razón. 

Y una última pregunta: ¿qué te gustaría que sintiera la gente al escuchar tu música, ya sea en disco o en directo? 

Callum Beattie: Me gustaría que sintieran que han llegado a conocerme como persona, porque yo escribí todas mis letras y son reales; tratan sobre mi vida. Si las escuchas, sabrás muchísimo sobre mí. Gracias por tu tiempo y por tus respuestas. Nos vemos en tus conciertos en España y gracias por tu música. Mi novia es venezolana, así que sé un poco de español, pero me daba demasiado miedo intentar hablarlo con vosotros hoy. Pero en España lo intentaré. ¡Gracias!

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50 años del debut de los Ramones

Por: Guillermo García Domingo. 

Hace un par de meses nuestra revista entrevistó a Chencho Fernández, el magistral músico sevillano, quien, no sin cierto enojo, defendió que el punk no nació en la Inglaterra del descontento, sino en Nueva York (que como todo el mundo sabe no está en EE.UU.) Incluso se podría concretar aún más, y situar el epicentro del terremoto punk en el barrio de Queens, de donde eran este grupo de chavales inadaptados que se hicieron llamar los Ramones, haciendo un guiño más o menos manifiesto a los Beatles. No obstante, habría que evitar subestimar el papel que desempeñaron otros grupos norteamericanos a la hora de generar la situación propicia para la aparición disruptiva del punk, en su doble expresión, como actitud existencial y como movimiento musical.

Para aquilatar su firme punto de vista, Chencho recurrió, naturalmente, al mejor oráculo (blasfemo) que existe, la biblia de “Por favor, mátame”, la historia oral del punk reunida por McNeil & McCain. Además de este libro, he consultado el cómic francés “One Two Three Four Ramones” de Cadène/Bétancourt y Cartier (dibujante). 

La decepción social de los jóvenes con la generación de la posguerra que les precedió, y sus valores cada vez más mercantilistas y conservadores, no era un fenómeno exclusivamente británico o europeo, en Norteamérica también existía, y fue uno de los elementos desencadenantes de la contracultura. De la que los Ramones fueron una expresión salvaje y directa. Un “ataque relámpago” como el de la sempiterna canción inicial del álbum (“Blitzkrieg Bop”). Dee Dee, Joey, Tommy y Johnny, especialmente el primero y el último, provenían de la marginalidad. Cada uno de ellos gozaba de una personalidad carismática, muy diferente a la de los restantes miembros, lo que conduce a pensar que fue algo milagroso el hecho de que convergieran con el fin de realizar este disco y que siguieran tocando más adelante, pese a las disensiones que siempre caracterizaron la convivencia dentro de la banda. Su álbum de debut contiene temas dedicados al malvivir de yonquis, así como alusiones a la prostitución masculina y a la violencia callejera. Debido a esta “honestidad brutal”, los Ramones representan, sin duda alguna, la iconoclastia juvenil más descarnada y auténtica. Resulta tan desconcertante como hermoso que esta panda de jóvenes inadaptados disfrutara de tanto éxito.

Y para conseguirlo les bastó media hora. El resultado de apenas dos días de grabación. Ninguno de los catorce temas se extendía más de dos minutos y medio. Se trataba de “salir y tocar”, según Danny Fields. Ese fue el consejo que les ofrecieron a los miembros de The Clash, antes de que los británicos se constituyeran como banda, durante su gira británica, unos meses después de la publicación en abril de este disco homónimo. Aunque la música de los Ramones ha nacido para ser interpretada y experimentada en vivo, esta grabación es intachable, y transmite esa naturalidad y esa ausencia de sofisticación impostada que los Ramones hicieron suyas.

Perdura demasiado la engañosa impresión de que los Ramones eran unos músicos aficionados, pero, con el paso de los años resulta incuestionable que tomaron decisiones acertadísimas: que Tommy se pusiera a la batería, aunque después fue el primer Ramone en largarse, el logotipo inolvidable que diseñó Arturo Vega, un tipo fascinante, sin el cual no se puede entender a los Ramones, su vestimenta que quedó para siempre retratada en la fotografía de la portada, realizada para la revista Punk por Roberta Bayley, y por encima de todo ese rasgueo continuo, a una velocidad vertiginosa, de las cuerdas de la guitarra, como si la mano fuera la dinamo que sostenía el funcionamiento de aquella, y no la electricidad a la estaban enchufados los instrumentos. También es verdad que cuesta creer que, en esa “cueva infame”, alguien describió así este local del Bowery, pagaran religiosamente la factura de la luz. Ellos patentaron para siempre esta forma de tocar. Conviene decir que los Ramones renovaron el legado de los Beatles, de los Eagles y sus armonías vocales, ¡y la pasión por el surf!, y también está en deuda con otros grupos y artistas precursores del rock de principios de los sesenta. Sabían lo que hacían más de lo que piensan algunos resabiados.

Hay que agradecerles a Los Ramones que no se lo pensaran dos veces, que salieran y tocaran. Desde el momento en que lo hicieron se quedaron en nuestras vidas. Han transcurrido 50 años, y todavía siguen ahí, sobre el escenario, eternamente jóvenes, dispuestos a no hacer caso a nadie.

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David Gray: "Nightjar"

Por: Javier Capapé. 

Hace veinticinco años el, a menudo, traicionero éxito (propiciado por el reconocimiento ante su enorme trabajo "White Ladder"), junto a la muerte de su padre, sumieron a uno de los artistas jóvenes más prometedores del momento en el Reino Unido en la introspección y el recogimiento, dando como resultado el alumbramiento de un disco absolutamente imprescindible y desgarrador. Me estoy refiriendo a "Life in Slow Motion" de David Gray, que acaba de cumplir veinte años. Aquel disco pudo ser el de su madurez, pero definido así o no, fue un gran hito en su carrera, plagado de canciones atemporales e intensas, aunque pudieran ser demasiado profundas para llegar a trascender como singles de éxito (salvo "Hospital Food" y "The One I Love"). Cuando hoy echamos la vista atrás "Life in Slow Motion" sigue siendo de lo más granado en la carrera del británico. Un disco que liga todas sus canciones con un cariz sobrecogedor y que mide su pulso de forma pausada y grave. Esencial y lleno de bella pureza que desborda pasión en cada surco. No sé si su cota más alta, pero sí una de ellas. 

Lo que no sabíamos entonces es que ese disco había dejado tras de sí muchos descartes que bien podrían haber formado otro con entidad propia o quizá un álbum doble. Cierto es que con diez canciones "Life in Slow Motion" quedó redondo, sin fisuras, pero David Gray grabó muchas otras en ese periodo comprendido entre 2002 y 2005 que ahora han visto la luz en este "Nightjar". Podría ser un disco de descartes, y por momentos flota en él ese aroma a demos menos trabajadas, pero en sí mismo también es un álbum con suficiente entidad. Con el mismo aroma o atmósfera del disco que dio origen a estas composiciones, pero con pequeñas derivaciones. Si despojamos a "Nightjar" de su condición de compilación de "caras B" tenemos ante nosotros un disco por momentos atrevido y valiente, pero, por encima de todo, repleto de grandes ideas e intenciones.

La nocturnidad y el cabaret están presentes en el tema inicial "When I fall in love". Un single de libro, por lo que ya para empezar se nos hace raro pensar que esto sea un disco con temas que Gray desechó en los albores de los años 2000. De hecho, ya había publicado "Lost Songs" tras el éxito de "White Ladder". Ese era claramente un disco que recopilaba canciones menores, pero en "Nightjar" es más difícil tener esa sensación al escuchar sus temas, sobre todo si lo hacemos por separado, porque encajan muchos de ellos como eficaces cartas de presentación de cualquier álbum que hubiera publicado el británico. "Money" es intrigante, principalmente por el uso de ese contrabajo que lo domina todo, siguiendo una línea sonora continuista con la anterior, aunque con algo más de oscuridad. "The easy way out" es otro medio tiempo, y es que en casi todas estas canciones nos movemos en estas coordenadas, es cierto. Quizá eso sea lo único que puede pesar en su contra, pero "The easy way out" es mágica principalmente por los aportes del pedal steel y esa batería sedosa que se amolda perfectamente con sus escobillas al pulso del piano. 

La producción de estas canciones lleva muchos nombres asociados, tantos como aquellos con los que David Gray se rodeó en estos años previos a lanzar "Life in Slow Motion". Por delante de todos está Marius de Vries, que fue el principal artífice de aquel disco y se encarga de muchos de los cacharritos que se dejan oír, pero también su inseparable Craig McClune (que se hace cargo como siempre de la percusión) y el programador Iestyn Polson. También acredita en la producción a Rob Malone, aunque con lo que más nos cautiva este músico es con los bajos y contrabajos que suenan en la mayoría de los temas. En las diferentes miradas de estos productores y colaboradores están algunos de los matices que hacen especiales a estas canciones, como ese perfil enigmático que recorre el tema titular o la querencia indie-rock que puede llevarnos a mover de más los pies en "Green Light", aunque apreciando en ella un toque menos pulido, más parecido a una demo que faltase por desarrollar, algo que también le ocurre a "Mr. Bennett" (lo mejor son sus guitarras jazzys que van de la mano del elegante contrabajo) y "Long Gone Now", una de esas canciones que tan bien domina su autor que nos mecen mientras van creciendo despacio con la base muy marcada, pero que se queda a medias (podemos escuchar su versión definitiva en la edición deluxe del disco original de 2005).

Antes de que empecemos a pensar que el disco está mostrando peores costuras, nos reconduce a su mejor parte, ya que las canciones más acertadas del lote se encuentran en el corazón del mismo, en su parte central, consiguiendo emocionarnos casi tanto como en su día hicieran "Ain't no Love" o "Disappearing World". Porque empezamos con "Everybody's leaving town", como a mitad del disco, y ya no dejamos de subir. Una canción que nos sumerge en un ambiente como de cajita de música industrial, al estilo de Sigur Ros, que se desliza con una delicada preciosidad y melancolía. 

"Alive" es otra joya, con una de esas entregas vocales tan características de David y ese ambiente de piano-bar que le sienta tan bien. De nuevo un contrabajo arropa al piano de forma muy elegante hasta que las escobillas de la batería dan el ritmo que necesita el estribillo. "Poor John" parece sacada de los R.E.M. iniciales, con es "Fire" entonado en el estribillo que recuerda al "The One I Love" de los de Athens. Una canción como asentada en los setenta, con las acústicas y el apoyo del acordeón dándole el aire campestre que necesita. Aunque justo a continuación es cuando tocamos verdaderamente el cielo con la soledad del piano y la entrega de David en "Wave". No se necesita nada más para ponernos los pelos de punta. Este bloque central tan inspirado lo cierra "Sacred ground", también en una línea acústica con guitarras y sutiles percusiones. Si digo que algo cambia después es porque la que sigue, "The golden Ray", es más bien un interludio, con David cantando desde la lejanía entre la acústica y el harmonium.

No es que el final sea malo. Para nada. Pero es que el nivel de estas últimas era muy alto. Merecedoras de un disco en su día. Quizá por eso mismo su autor no haya querido incluir en este "Nightjar" ningún subtitulo haciendo referencia a los orígenes de las canciones (tan solo puede encontrarse esa conexión en las portadas que comparten paisajes glaciares), porque precisamente éste es su disco. Aunque tarde, era momento de darles su merecido espacio como obras mayores. También hay que decir que si hemos llegado hasta este punto en estos tiempos de canciones concisas y consumo rápido es porque nos gusta lo suficiente David Gray, porque un disco de más de setenta minutos es una auténtica rareza hoy en día, así que dejemos que sigan tomando su espacio las canciones, que son las que nos han traído hasta aquí, y continuemos con "Far from here", otro cuarteto de piano-bar magistral con cadencia lenta y ese fraseo de guitarra sutil para empezar y conducir las estrofas que te atrapa con facilidad. "A model life / My Angel now" es en realidad una canción doble unida (de ahí sus más de siete minutos) a guitarra y voz, mostrando al trovador que siempre ha sido Gray, ese que nos engatusó como nadie con su iniciática y soberbia "Shine".

"Madder rain" cautiva por su intro. ¡Qué maravilla! Es casi un experimento con un intermedio ruidoso y esa armónica tan bien utilizada. Difícil de describir, pero fantástica, en definitiva. La primitiva versión de "Laughing gas" (aparecida más tarde en "Skellig") está reducida casi a la mínima expresión del piano y la guitarra, contrastando con la más rítmica (palmas incluidas) "Side effects (May also include)", aunque su larga intro instrumental en cada estrofa nos permite ver por qué se quedó fuera de las seleccionadas como más convencionales. No es una canción fácil, pero aún así merece su sitio. Finalmente, todo se cierra con "The final order", en la que se imponen los vientos, que sostienen toda la canción en exclusiva, lo que la convierte en destacada desde la diferencia. Sigue la línea introspectiva de todo el conjunto, pero sin buscar experimentar más allá de apostar por la instrumentación comentada. Muy interesante y con una sensación muy placentera, ideal para cerrar un disco definitivamente diferente, pero igualmente magistral.

"Nightjar" no es un álbum menor aunque sepamos el germen de sus canciones. Puede formar parte de algunos de nuestros discos de cabecera, esos especialmente seleccionados, pues méritos y emoción a flor de piel no le faltan. Pero es cierto que aquellos que conocemos bien a David Gray encontraremos en estas canciones referencias estilísticas, y ante todo emocionales, con aquel fantástico disco que se movía a cámara lenta con el que está irremediablemente unido, como sentimientos congelados mientras contemplamos el retroceso de los imponentes glaciares.

 

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Los Romeos, 35 años de romántico punk-pop

Sala Chango, Madrid. Viernes, 24 de abril del 2026.

Texto: Roboo (linktr.ee/roboomusic) 

Fotografías: J.L. Gelezeta.

He de decir que soy superfán de Los Romeos desde niño y tenía las expectativas altas. La banda salió puntual con el aire exótico de “Arañas mi piel”. Patrizia Escoín salió alegre y juguetona; los demás integrantes, correctos, aunque se notaba una inquietud totalmente justificada por el bolo que se presentaba. Lo primero que me sorprendió fue el contundente y compacto sonido: el bajo y sobre todo el batería, con una pegada importante, tuvo que ser asistido varias veces para colocar su instrumento. Guitarras afiladas y la voz de Pat, inmortal.

Le siguieron “Dulces sueños” y la maravillosa versión de Raphael “Cuando llega mi amor”, alternando temas procedentes de sus dos primeros trabajos: “Sangre caliente”, “Por qué, por qué”, “Lejos, muy lejos”, hasta llegar a “Nada”, de su disco menos conocido. Aquí retomaron con fuerza, y es donde para mí más brilló la actuación: tres enérgicas y brillantes piezas que yo esperaba con ansia — “Un poquito de amor” y, sobre todo, “¿Dónde estás?” y “El demonio está dentro de mí”, que disfruté desenfadadamente. A partir de ahí volvimos al álbum “Sangre caliente” con “Palmo a palmo” y “Lágrimas”. Bajamos de intensidad, pero correctos con “Me comeré tu corazón” y “Déjame caer”, para retornar con la picante y esperada “Muérdeme” (cantada con su compañero Tommy Ramos de su otro proyecto EXfan, y que le dio un toque guapisimo), y seguir con la genial versión de “Sunday Girl” de Blondie que ellos titularon “El mundo a tus pies”, para por fin llegar a “Mi vida rosa” con el público desatado. Tras salir un minuto, decidieron cerrar con “Emocióname” y la preciosa “El final”, en un tono emotivo que caló en más de uno.

La actuación fue correcta aunque ya le es difícil a Pat llegar a algunos tonos, y la decisión de cantarlas diferente fue acertada, porque daba un toque más punk-rock que a mí personalmente me encanta. La banda estuvo muy potente y en concreto el guitarrista, con un toque de psicodelia fabuloso.

Pero... ahora vienen los peros. A muchos no les convenció el concierto, y en mi opinión no fue tanto por las expectativas del nostálgico sonido perfecto de los discos, ni mucho menos por la técnica de la banda. El show tuvo muchos fallos de sonido que no acertaron en la primera parte del concierto ni durante muchos momentos, con un micrófono de voz bajísimo al igual que la guitarra y una mezcla mediocre. La sala tampoco ayudó para nada: mucho calor en algunos puntos y un frío polar en otros. El público también falló; se notaba que muchos de ellos no eran carne de concierto o hacía mucho que no iban a uno, y sobre todo la falta de educación recriminando que no se escuchaba cuando Pat hablaba, en vez de rogar silencio y respeto por los artistas y los fans que acompañábamos.

De todas maneras, creo que son fallos que se subsanarán en próximos shows, ajustando el sonido correctamente y seguramente cambiando de sala y de público. Los Romeos y sus fans —entre los que me encuentro— tendremos lo que nos merecemos para disfrutar de esta banda que para algunos es tan especial.

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